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Jonah Bokaer, au coeur du langage des corps

by Alix de Boisset on mai 29th, 2011 Commentaires fermés

@ Michael Beauplet

Figure avant gardiste de la chorégraphie new yorkaise contemporaine, Jonah Bokaer fut le danseur le plus jeune engagé chez Merce Cunningham Dance Company. Ayant poursuivi parallèlement des études de Visual & Media Studies à la New School complétées à la Parsons School of Design, Jonah Bokaer possède une approche multi-disciplinaire de la chorégraphie s’adressant au corps humain dans sa relation aux technologies contemporaines. Doué du langage des corps, expert en arts multimédias, Jonah Bokaer est un explorateur qui apporte à la danse une nouvelle forme d’expression : s’aidant de logiciels de composition chorégraphique en 3D, il calcule des directions, envisage des trajectoires et imagine des mouvements jusque là inédits. Thèmes chers à Jonah Bokaer, la peinture contemporaine et la science occupent une place prédominante dans son répertoire de chorégraphe : « Three cases of Amnesia » est une pièce qui rend hommage à des peintres majeurs de l’art contemporain, « Charade » explore le lien entre la science et le corps, « Nudedescendance » est un hommage numérique à la toile Nu descendant l’escalier de Marcel Duchamp, « False Start »s’inspire de la peinture éponyme de Jasper Johns, figure américaine du Pop Art. Jonah Bokaer a créé à New York avec Jeremy Wade, un studio de danse, »Chez Bushwick », considéré comme l’endroit de l’avant garde new yorkaise, qui développe des programmations publiques abolissant les frontières entre disciplines et esthétiques et permet de créer un dialogue avec le public. Jonah Bokaer est également fondateur, avec John Jasperse, du Center for Performance Research qui offre aux artistes une infrastructure abordable pour les répétitions et les spectacles. Jonah Bokaer a été l’interprète de Merce Cunnigham, John Jasperse, David Gordon, Deborah Hay, Tino Sehgal et Robert Wilson avec lequel il collabore depuis 2007. Rencontre avec ce chorégraphe dont l’avant gardisme expérimental et minimaliste intrigue et fascine, brisant les convenances et apportant au corps un nouveau mode d’expression.

1. You see yourself as a Figure of the Dance ?

Jonah Bokaer : I see myself as a Choreographer, with an expanded practice that allows for many ways of composing a dance, and allowing dance to exist in a large cultural framework. The areas that I am involved in dance are as a Performer, a Choreographer, an Animator, an Author, and an Entrepreneur. Recently I have also done some work in fashion as well. It’s possible that I am seen as a Figure of Dance, but from my perspective, I just work very hard, and enjoy finding new ways of working.

@ Eric Boudet

2. How would you describe your style ?

Jonah Bokaer : The aesthetic that I work with is abstract, architectural, and very visual – but the public emerges from my productions having had an emotional experience. Using abstraction to expand the possibilities for dance and choreography is the way that I work. I also work with visual artists to create a space, set, or decor for each production – not a set designer, but a visual artist – which means that each production often has a visual style of its own. It has also been an honor to collaborate with some designers in recent years such as Narciso Rodriguez, Isaac Mizrahi, Daniel Arsham, Guillaume Boulez, and others whose work in Fashion and Style has had an impact on my choreographic thinking.

@ Jeffrey Hirsch

3. What led you to Dance and Choreography ?

Jonah Bokaer : Merce Cunningham influenced me primarily in terms of dance training. His classes were so strengthening, and training with him twice per week was instrumental to my formation as a performer. I do not believe that Cunningham influenced my choreography thought: for one, he composed almost purely by chance, and often in isolation. In my practice, I tend to work with conscious constructions, and always in a method of co-creation with other disciplines (recently, a biotechnologist, an entrepreneur, and design firm). I believe that Cunningham’s use of motion capture for the stage design of BIPED (1999) did lead to inspiration, and an impact on my thinking about the relationships between dance and technology. Shortly afterwards, dancing in that production was also formative – but I believe that dancers in the Cunningham company do not necessarily have any contact or experience with the technology he used. My own explorations into 3D animation evolved elsewhere, and bridged into other digital tools beyond dance.

4. When did you first contact the Dance ?

Jonah Bokaer : My family of performers, artists, and filmmakers is really where I first encountered theatre, dance, film, and performance. My father was a filmmaker, originally born in Tunisia, and my mother was a theater director of Welsh/Scottish background, who grew up largely in Ohio, the United States. My parents met in Los Angeles, and I was born in Ithaca, NY. There are 6 siblings in my family, and as a young child, I began to stage the four brothers in the living room and backyard, creating dances, patterns, choreography, and productions. Way back then, it was always involving pop songs or videos. I then went to begin dance classes, at local schools, and also at Cornell University – and then began training substantially in ballet and contemporary dance. At the age of 15, I left my home in Ithaca in order to pursue training fulltime at a conservatory, and by age 18, was hired by Merce Cunningham to join his company.

@ Eric Boudet

5. What are the meetings or policy role that made you move forward ?

Jonah Bokaer : In 2005, I participated in a residency at Stanford University’s Laboratory for Motion & Gait Analysis, during which time I was used as a subject of motion capture to study « bio-mechanical rebellion » in Merce Cunningham’s choreography. Towards the end I started improvising: it had been a long day and my muscles were firing differently than usual. I started using the wall as a balance point, or partner, and saw ways that my body could improve its performance in other extremes of movement—through relying on architecture. I explored jumping with radical shifts in my torso; some of the sensors actually flew off. There was a certain balance that I hit, and I was able to rest there for what seemed like a long amount of time. In my mind I think I said something like « HERE. » To me, this and other moments in that lab felt like a peak of experiencing movement. I hope I haven’t peaked yet, but that day was informative for my technique as a mover—and I’m convinced that’s due to live visualization. Once I was hooked up to the motion capture system, I had the opportunity to view the datapoints onscreen, the movement of my breath was visible. Watching closer, micro-shifts in weight in my feet and lower legs were also visible. Even now, this impacts how I imagine my body, my breath, and the way I balance weight on my feet.

@ Michael Beauplet

6. What is your vision of dance these days ?

Jonah Bokaer : I always work in collaboration between dance and visual arts, to create new visual and movement forms. My vision for dance operates in what I call an « expanded practice, » meaning that dance can expand beyond its traditional histories of creation, composition, or distribution. Working with new technologies for dance is also an inspiration of mine. Basically, taking dance into a broader field of cultural circulation, and working with new aesthetic signatures is where my vision is right now. The use of motion capture for dance, and for artistic purposes, or for documentation, is right at the front of my interest and practice. By working with motion capture, I can pre-visualize movement and actually explore. In 2007 I created a work called A Cure For Surveillance, in which I introduced a missing figure in a duet. Choreographed and improvised material would occur for 3D capture, and one body would be mapped, while the other would not. So there are partnering sequences happening, but one partner is invisible – so one person is being assisted, lifted, manipulated, partnered, but without the presence of the other person. There is assisted movement, but invisible, so the erasure becomes a presence too: one body is missing, but you can see that another presence is there partnering or interacting with the performer. One person’s presence gets sculpted by the other person’s absence.

@ Eric Boudet

7. What missions do you dance to ?

Jonah Bokaer : I do think that all movement can be captured, including pedestrian movement in public space, and have made a number of media works that explore this, including a work called A Cure For Surveillance: http://2rem.net/cure4s/main.html While developing new choreography, I frequently question (and subvert) the spaces in which my work is performed, creating site-specific installations that playfully critique the venue presenting a dance. This generally involves a visual or sonic intervention in the periphery of each individual venue. I often choreograph with images or objects as much, or as frequently, as with bodies. Parts of the video create movement, too, which the videographer made, but the choreographer did not.

8. How do you feed your work as a choreographer ?

Jonah Bokaer : Very recently, I’ve been taking a lot of inspiration from fashion and the way that movement is represented within the fashion world, and the fashion industry. This was a surprise to me – but I’ve learned it can be refreshing to view the ways that an artform, such as dance, circulates within another sphere of production. I also think that the field of dance has historically suffered from lack of funding, in proportion to other areas of the arts. I have enjoyed learning about the fashion industry, and in particular the creative designation of many creators / authors within one company or aesthetic. For dance and choreographic artists, this is something unusual, and incredible. I also believe that large discovery has been made in the areas of photography, set design, and art direction purely within the fashion industry, and I am curious to see if the dance world will incorporate these innovations, and to what degree.

@ Eric Boudet

9. Tell us about your band …

Jonah Bokaer : My main goal is to invent new forms within the field of choreography, and really on this topic, I should talk about the dancers I work with. There are about 8 in the core group, and many of them are international artists: CC Chang is originally from Taiwan; Irena Misirlic is originally from Croatia but we mainly work together in Holland; the associate Adam H Weinert is born in New York City but also has an English passport. A Cuban-American dancer named David Rafael Botana is also very involved in the production we just made for Les Hivernales, Avignon this past February. Recently my work has formally involved the American / Scottish dancer James McGinn for some time now, which has led to large discoveries for my work. For many years, my choreography evolved either as solos, or as group works: there are often large differences in the way of composing each. James’ knowledge of my work is very integral, especially at the level of the studio for composition. Creating movement material is by nature a very intense process moment, when it occurs. The fact that there is now dancers who understand this creative process has been transformational. James and I are also very similar in age, which allows for a nice connection between dancer and choreographer. He is an incredible performer, and is able to be present inside the many parts of choreographic output, and he is fluent in each.

@ Joachim Ladefoged

10. What do you dance ?

Jonah Bokaer : My first experience of movement training was actually not dance—it was yoga. I think this might have influenced my thinking about anatomy, and joint mobility. I later began training in Merce Cunningham’s technique intensively at the age of 15 or 16. There are many differing views of this technique, but what I will say is that it systematically warms up every joint in the body.Still later, I began animating—first in DanceForms 1.0, and later in other 3D animation programs. DanceForms allows for animation of the body through key-framing, and highlighting the body joint-by-joint. Movement is hand-animated in sequence, and placed on a filmic timeline.In animation, joints are named by hierarchy—finger, hand, wrist, forearm, upper arm, shoulder, etc.—and form systems of ascending or descending order, meaning that they radiate out or in from the center. Hemispheres are used to represent each joint visually. Additionally, the pelvis is named as the Root Joint, because it is the connector of the torso and legs. Sometimes I think about joints like letters, because it allows me to think of my body beyond language, which only allows 26. In Avignon for example, I recently danced a show of ours called « Three Cases Of Amnesia. » It is a technology-influenced solo that I animated, choreographed, and performed through the use of digital choreographic software. The movement for the piece has been designed through the use of 3D animation, and pays homage to the historical painting “False Start” by Jasper Johns (1959). This particular work will address the erasure of the moving human body, and the trace of its presence. As with previous two works, I use a solo choreographic practice to address the deconstruction of modernist portraiture, presenting a digital “maquette” which is mimicked by the dancer.

@ Liubo Borissov

11. Tell us about your work with Robert Wilson, Merce Cunningham, John Jasperse and David Gordon ?

Jonah Bokaer : My work in digital media began through encountering the work of Merce Cunningham. I was actually recruited by his dance company and joined when I was 18. After that time, Merce began developing a series of solos for me using choreography software DanceForms 1.0, which is available through Credo Interactive. This was a big introduction to his process of keyframing, which is a very simple, three-frame production manner of placing movement on a timeline and animating it. He turned to that tool in 1990, I believe, because of his advancing arthritis – so it really is an “extension” in a very practical sense of the word, and how it relates to technology. That set the stage for my appetite and my interest for these tools, and how they relate to dance. There is also repertory of Merce’s that relies heavily on the film/video arts and also motion capture. Also, encountering his piece BIPED from 1999 was a big introduction. At the moment though, I am more informed by my work in choreographing the operas of theater artist Robert Wilson: the use of technical theater in his work is simply unparalleled, and I have been informed by this in the very recent past. I do not think Opera is a next frontier personally, but I have been lucky enough to work on the productions of Robert Wilson, for example, with Charles Gounod’s FAUST commissioned by the National Opera of Poland. The ballet music for Faust, which is one of the longest of any opera, has a long history of being difficult to choreograph; Zachary Solov and Anthony Tudor at the Met Opera, and others, have tried to move it beyond kitsch but are often described as never having succeeded: it’s generally so over the top that the expression ‘like Faust’ has meant to go « all the way. » I believe that Bob’s approach to scenography raised it to a new and surreal level and just might have clinched it. I hope the production will come to NYC, or at least that the documentation is strong, so that others may see it in the United States.

@ Jeffrey Hirsch

12. What resources do you use today to adapt to your Dance Company ?

Jonah Bokaer : These days, I am deeply committed to fostering interdisciplinary dialogue with artists across media. With this in mind, I have established two cooperative studio spaces in NYC (Chez Bushwick, and CPR) in which artists can congregate, develop ideas, and present work in a catalytic environment. I am interested in bringing innovative new work into direct conversation with contemporary thought and culture. That is a fueling motivation behind my efforts with Chez Bushwick. Increasingly, artists in NYC are having to “rewire” the way that they think about how to sustain themselves, and their artwork: Chez Bushwick provides a space for dance artists, but has larger generative power as well.

@ Eric Boudet

13. What are your future plans ?

Jonah Bokaer : I’m currently working on a production for Jacob’s Pillow Dance Festival, which will involve a program with 2 designs by the artist Daniel Arsham, and the design firm Snarkitecture. Daniel and I find ourselves among a circle of artists whose work was taking a similar direction: a turn towards re-embracing theatrical illusion, re-employing the simplicity of minimalism to implicate the human body, and a deep skepticism of continuing down the aesthetic trajectory of modernist ancestors/predecessors in art and performance. Daniel and I were also in the same cities, often, and get to know one another’s work substantially, around the globe. We took a turn towards neurological research, partly at the invitation of J.D. Talasek, Director of Cultural Programs at the National Academy of Sciences, who had seen a production of mine, and had interest in commissioning a new performance. We began by staging choreography in a gallery opening of Daniel’s Playground, in Paris at the Galerie Emmanuel Perrotin. In that exhibition, Daniel’s sculptural works seemed caught mid-moment, often using an obscured human body: a figure falling through the ceiling; a figure wrapped into a wall like a sheet; a wall folded like a theatrical curtain; a piece of the room warped into a crease. I responded to this environment by creating movement phrases standing, prone, and cantilevered onto the floor and walls of the gallery, and the work was very much a site-responsive piece. In the future, I plan to work much more with Daniel and his work – hopefully a bit more in France.

Pour en savoir plus sur Jonah Bokaer :

http://www.jonahbokaer.net/

www.chezbushwick.net

www.cprnyc.org

Instants d’éternité poétique avec Philippe Delaveau

by Alix de Boisset on février 13th, 2011 Commentaires fermés

Né à Paris en mai 1950, Philippe Delaveau est issu d’une famille d’origine tourangelle. Il passe son enfance à Paris, en Touraine, et séjourne régulièrement en Angleterre. Les paysages des Moors, la côte anglaise et Londres, très tôt le fascinent. Il se passionne pour la musique – Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, les contemporains, et rêve de devenir compositeur et chef d’orchestre ! Il découvre la littérature : Balzac et Rabelais, puis pénètre dans le royaume de Poésie : Hugo, Baudelaire, Rimbaud, Max Jacob… Après des études aux Lycées Montaigne, Louis-le-Grand, puis Henri IV, il intègre l’ENS de Saint-Cloud et poursuit des études de Lettres Modernes et d’Histoire à la Sorbonne. Passionné de musique, il se rend quand il le peut au concert, tourne les partitions des Duruflé à la tribune de Saint Etienne du Mont. Parallèlement, il s’inscrit à l’École du Louvre et entreprend des études de piano. Guy Lévis Mano lui révèle Jouve et Georges Schehadé. Il lit quelques rares poètes contemporains, dont Jacques Réda, qui l’enthousiasme. C’est sa rencontre avec Jean Follain qui sera décisive. Mme Romain Rolland l’entraîne chez Aragon. Julien Green, lui fait découvrir les arcanes de l’écriture romanesque. Il fréquente, chez la fille de Jean Croué, des comédiens dont il s’inspirera pour inventer son personnage d’Elvire van der Kruk (Cent sous pour la reine Mab, éditions de La Différence, 2001). Reçu à l’Agrégation de Lettres Modernes, il est chargé de cours à la Sorbonne.

Envoyé pendant six ans à Londres à l’Institut français (1982 – 1988) avec sa femme et leurs trois enfants, il participe aux activités culturelles et lira par la suite ses premiers poèmes à Jean-Claude Renard – qui lui fera rencontrer Jean Grosjean, Pierre Oster et Jacques Réda -. Il fréquente des peintres comme Philippe Lejeune, Chapelain-Midy, René-Jean Clot… et se lie d’amitié avec poètes et romanciers : Jean-Claude Renard, Jean Grosjean, Pierre Oster, Paul de Roux, Jean-Pierre Lemaire, puis Jacques Réda, ou encore Michel Déon, connu en Angleterre.

À son retour en France, il publie son premier recueil chez Gallimard : Eucharis (1989), marqué par l’Angleterre, qui lui vaudra le prix Apollinaire. Le livre est salué par de nombreux articles. « Coup de cœur » de TF1, « coup de cœur » du Nouvel Observateur dans lequel paraîtra également un article enthousiaste de Claude Roy qu’il rencontrera par la suite. Paraît ensuite Le Veilleur amoureux (1993), repris avec le précédent recueil en « Poésie/Gallimard », avec une préface de Michel Jarrety (2009).

Il partage alors son temps entre l’écriture, les lectures, les voyages, les cours de littérature. Sa poésie lui ouvre le monde et lui permet d’élargir son regard d’écrivain : Les Secrets endormis, Impressions du Mexique en collaboration avec Bernard Pozier (1993) ; Labeur du Temps (1995). Son recueil Petites gloires ordinaires reçoit le prix Max Jacob en 1999. Il entreprend, grâce à Michel Déon, un travail de collaboration avec des peintres tels que Julius Baltazar et Jean Cortot, puis Bertemès, Laubiès, Hélénon, Pouperon, autour du galeriste André Biren et réalise avec eux de nombreux livres peints.

En 2000, il reçoit le Grand Prix de Poésie de l’Académie française pour l’ensemble de son œuvre.

En 2001, Françoise Seigner (et l’auteur) créent au Théâtre du Rond-Point des Champs-Élysées (direction Marcel Maréchal), pour France-Culture, « Un toast pour la Reine Mab », à partir de Cent sous pour la reine Mab. En 2007, Philippe Delaveau est élu à l’Académie Mallarmé, aux jurys du prix Apollinaire et du Prix Léopold Sédar Senghor (Nouvelle Pléiade).

Sociétaire du P.e.n.-Club et de la Société des Gens de Lettres (SGDL), qui lui décerne son Grand prix de Poésie pour l’ensemble de son œuvre (2010).

Entretien avec ce poète des temps modernes, tour à tour veilleur et prophète, qui souffle sur notre époque un vent magistral d’absolu à travers le savant usage des mots.

1. Vous considérez-vous comme une figure littéraire ?

Philippe Delaveau : À peine ! Le poète est un être invisible aujourd’hui, pas même une ombre qui traverse la ville. La société française lui ôte tout emploi dans la préoccupation du quotidien – et même de l’exception. Autrefois, on pouvait concevoir, pour en rire, une manière de personnage entre l’ivresse et l’insomnie, un hurluberlu pas méchant, hanté de rimes. La télévision, qui régit tout et distribue les rôles, ne lui accorde plus d’image ni de fonction. La presse écrite non plus. Et le public s’est fatigué de lire des livres qui lui paraissent sans objet. Alors que les poètes peut-être sont les figures du sens qu’ils décryptent, s’ils savent se conformer à leur vocation. Celle-ci commence par la veille dans un monde qui vit avec frénésie, sans recul. Voilà bien la fonction du poète, qui découle de l’écriture du poème : veiller pendant que d’autres dorment – entendons cela de manière symbolique, bien sûr. Veiller pour comprendre, au fond de soi, et dans la nuit du monde contemporain, les signes que nous adressent les objets, les faits, les images. L’essentiel est bien ce que nous faisons, davantage que l’image que nous croyons donner de nous-mêmes, qui est incomplète et trompeuse, à nos dépens. Là encore, dans un univers de pipolisation, la figure de cet artisan modeste – le poète – qui travaille à son œuvre, sans trop faire de bruit, comme les artisans qui fabriquent des chaussures ou des montres, est une chose parfaitement insolite. Et, crime suprême, il ne gagne pas ou presque pas d’argent ! Cela dit, si je prenais votre question à la lettre, je dirais que je suis, comme tous les écrivains, la métonymie de ce que disent mes livres, ou simplement peut-être la métaphore… Ce sont les livres qui inventent ceux qui les écrivent – les figures de style (rhétorique) qui inventent les figures concrètes de l’homme véritable, l’homme qui invente, l’artiste, au-delà de l’image de l’homme social, qui n’existe qu’en vain, dans une succession d’actes qui le scindent.

Librairie Gallimard, boulevard Raspail, Paris 2008

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Philippe Delaveau : Pour commencer, permettez-moi de dire que ce qui m’importe est bien de rechercher la vérité cachée sous les apparences, pour vivre d’une plus grande authenticité. Ce qui m’amène alors à la question du style, mais cette fois-ci à travers la notion même de ce que nous appelons aujourd’hui l’écriture. Je suis soucieux de simplicité et de justesse – deux qualités traditionnelles en France – je veux dire dans la littérature française -, qui permettent d’approcher plus profondément le mystère. En ce sens, je recherche une nouvelle mesure, c’est-à-dire un « beau style bas » comme on disait au 16e siècle, en reprenant Horace – un style qui convienne à son objet : pas d’élévation lyrique saugrenue, pas de langue décomposée, une vive attention à chaque chose dite, sans ivresse, sans gratuité… Un travail particulier sur la langue pour susciter, en la creusant, un langage poétique. Et par ce langage, parvenir à approcher le secret du monde. J’abomine le style prétentieux et savant, et en général tous les masques qui dissimulent la personne et l’écriture. Ce qui ne nie pas, loin de là, cette complexité propre à toute œuvre artistique. En somme, j’aime le mystère illuminé par la lumière, l’opacité traversée par un rayon de jour. Je serais heureux de pouvoir faire coïncider ces deux exigences : justice, dans l’ordre moral ; et justesse, dans l’ordre esthétique…

3. Qu’est-ce qui vous a poussé vers la Poésie ?

Philippe Delaveau : Je n’ai pas été poussé, comme on dit qu’un voilier, sur le bassin du Luxembourg, est poussé du bâton vers la margelle. C’est la poésie au contraire qui m’a tiré à elle, me faisant découvrir à la fois le ravissement de lire les poèmes des autres, qui m’ont profondément bouleversé un jour, et le bonheur – mais aussi la difficulté ! – d’en écrire. Le bonheur, mais surtout la nécessité : mon désir, à lire les autres, n’était pas satisfait, il me semble que j’ai toujours voulu écrire ce que je ne trouvais pas dans les œuvres des autres, mais aussi me dresser contre telle ou telle écriture contemporaine. Mais je reste persuadé, au départ, de la réalité d’un appel : je crois à la notion de vocation en art – au sens religieux. Chaque poète, chaque artiste, est appelé à une quête, en recevant une certaine intelligence de la langue et du monde pour découvrir les conditions de son propre langage. Il reste alors à descendre au fond de soi pour découvrir ces matériaux nécessaires, ou à être disponible aux sources qui nous traversent, qui nous apportent d’étranges et lumineux éclats du monde. La chance – mais s’agit-il de chance ? – est bien de tomber au départ sur des poèmes qui nous touchent au cœur et aux tripes. Car sans cette rencontre, la poésie ne peut pas s’imposer comme une véritable nécessité (pas plus que le roman ou le théâtre), jouer son rôle de révélateur. Au départ de toute aventure de création, il y a une rencontre avec une œuvre : dans un musée, à un concert, lors du silencieux corps à corps avec un livre par le truchement des yeux et de la totalité de la personne. On connaît le raccourci toujours mythique : « un jour il entra dans un musée et en sortant, il était peintre. » Si les choses sont toujours plus compliquées, il n’empêche qu’il y a quand même du vrai dans ce coup de foudre pour un art, par lequel un être découvre la nature d’un appel.

Namur, Marché de la Poésie, Maison de la Poésie, 2009

4. Vous reconnaissez-vous des influences ?

Philippe Delaveau : Oui, bien sûr. On ne sort pas de rien, hors du temps et de l’histoire – hors de sa bibliothèque. Les romanciers et les poètes qui nous touchent – nos vrais contemporains par le dialogue qu’ils instaurent, et donc hors de ce temps – nous apportent beaucoup parce qu’ils nous révèlent ce qui existait déjà, de manière latente, au fond de nous. Ils nous indiquent des directions ,des exigences, ils nous prouvent aussi que tout est possible. Les écrivains qui m’ont le plus apporté, sont ceux qui ont su dégager une voie originale vers la prise de réel, l’incarnation, la saisie du secret des profondeurs. Ceux qui rendent tangibles ce dont ils parlent… Je me méfie d’instinct des textes inutilement désincarnés, seulement conceptuels. J’abomine les théories fumeuses, les vaines discussions sur la littérature, la métamorphose de la page en texte abstrait, dévitaminé. Au départ, il y a les poètes qu’on lit : Baudelaire, Villon, Verlaine et Rimbaud furent les vrais premiers intercesseurs, de même, les romanciers qu’on admire : Balzac, Dickens, Tolstoï… Puis viennent les vraies amitiés profondes, l’entrée dans une sorte de famille : Dostoïevski, Tchekhov, les poètes russes, et bien sûr, toujours Baudelaire et Rimbaud auxquels s’ajoutaient les poètes contemporains ; la littérature anglo-saxonne, avec Shakespeare en premier lieu – pardonnez-moi, ce n’est pas original – puis Faulkner ; puis les poètes européens : irlandais, anglais contemporains, italiens, grecs. J’ai eu la chance de rencontrer des poètes et romanciers français dont l’amitié et les conseils m’ont été précieux. Je ne puis les citer tous ici ! Pour n’évoquer que quelques uns d’entre eux, hélas aujourd’hui décédés, laissez-moi vous citer les noms de Julien Green, Jean Follain, Jean Grosjean, Jean-Claude Renard, Guy Lévis Mano, Aragon…

Remise du Grand Prix de poésie de la SGDL, Paris, Hôtel de Massa, 2010

5. Dans quelle mesure les lieux où vous avez vécu ou voyagé ont-ils marqué votre écriture ?

Philippe Delaveau : Tous les lieux par lesquels nous passons, et plus encore ceux où nous habitons quelque temps, où nous avons alors cette relation fondée sur un mélange d’émerveillements et d’inquiétudes – nous révèlent, par des signes nombreux, ce qu’ils veulent que nous sachions des autres et de nous-mêmes. Ils nous laissent entrevoir un peu de ce secret du monde que tout écrivain tente de proférer, avec sa langue et sa musique. C’est parfois loin d’ici – Paris – que la langue française ou quelque aspect de notre culture de Français nous paraît plus compréhensible, du fait de l’étrangeté de la situation. Ce fut Londres, dans mon enfance, et pendant plusieurs années où nous avons eu la chance de résider. Certains lieux m’obsèdent : je pense par exemple à la « Plaine d’Abraham » au-dessus du vieux Québec, d’où l’on a une vue si grandiose sur le Saint-Laurent ; à certains quartiers de México ou de Dublin ; à Belgrade, depuis le parc de la vieille citadelle au-dessus du Danube, à Rome, à Lisbonne… Tout à coup, au détour d’une rue, d’un mur ou d’un paysage, quelque chose nous attend, et tout à coup une révélation nous est faite, et nous recevons ce secret avec les mots qui le disent, avec cette étrange émotion qui accompagne la promesse esthétique. Après, il faudra le déchiffrer, non pas avec des idées, mais avec le lent travail des mots unis en séquences. Autrement dit, dans un second temps l’artiste revisite le lieu par le souvenir, un souvenir intentionnel qui cherche à repérer les signes à travers des objets, du concret. Nous vivons alors comme dans un étrange rêve – étrange, parce que nous sommes à la fois sous hypnose et conscients de tout ce qui advient, et que, agis par l’écriture, nous agissons aussi sur elle pour parvenir à l’heureux équilibre dont se crée une forme. En somme, le voyage, qui rompt l’habitude, est une redécouverte de l’épaisseur charnelle de la réalité, de ce que j’aime appeler – pardonnez ce néologisme ! – la concrétude.

Lecture à Montréal, octobre 2008

6. Le poète est un peu prophète… Quelle est votre vision du monde actuel ?

Philippe Delaveau : Oui, le poète ressent profondément les relations complexes qui se nouent à l’intérieur du monde, et comme il perçoit le temps d’une façon autre que ne le fait l’homme d’affaires, il peut être amené à pressentir des faits, comme s’il les voyait, ou plutôt comme si son poème les voyait, et donc à prononcer, mais le plus souvent à son insu, ces « paroles mystérieuses » qu’évoque la Bible, dont le sens lui échappe le plus souvent. Parfois, il cherche à les interpréter, en tâtonnant. Aussi peut-il parfois tenter de mieux percevoir, à partir de l’expérience du singulier, ce qui relèverait de l’universel, disons les caractéristiques du temps actuel. Mais cette connaissance poétique n’est nullement une prédiction consciente de l’avenir, seulement une façon de déchiffrer un manquement dans le présent, une déperdition dans notre façon de vivre l’instant, de répondre à notre vocation. Les prophéties – en dehors de celles des prophètes appelés par Dieu pour exprimer dans le temps présent sa volonté à son peuple, – sont donc mesurées et la plupart du temps inconscientes : je citerai, pour illustrer mon propos, tel passage de Rimbaud que l’on peut lire comme l’annonce de son amputation, ou de Max Jacob prédisant « la mort allemande ». C’est donc en descendant au plus profond que le poète (ou le romancier, s’il est poète), parvient à lire des réalités qui lui échappent, mais qui seront explicites pour des lecteurs ultérieurement ! Les poètes qui se prétendent des prophètes à la façon de Hugo sont des imposteurs : Hugo n’annonçait rien qu’il ne connût d’autre façon que par la poésie. Certaines personnes, à l’inverse, sont capables de voir loin et de comprendre des choses qui échappent à leurs contemporains – songeons aux mystiques -, sans être pour autant des poètes. Revenons à notre temps, à la situation de la France actuelle : la non-reconnaissance de la poésie, que le poète vit dans une relation plus profonde avec ses poèmes, une sorte de tête-à-tête, peut être déchiffrée comme le signe d’une crise spirituelle : ce n’est pas la société qui condamne la poésie, mais l’existence de la poésie qui révèle la misère de l’époque, son mal profond, son incapacité à être. Si une civilisation se définit par sa façon de projeter un modèle dynamique en faveur de la vie (de l’homme, de l’enfant, de la nature, de l’art, de l’industrie, etc., etc.) pour contrer les forces mortifères et répondre de façon cohérente aux interrogations existentielles, aux menaces du nihilisme, – le congédiement de la poésie, qui est l’art de rattacher le temps à l’éternel, montre bien que nous ne somme plus dans une ère de civilisation, mais tout au plus sur une aire d’autoroute… une voie qui nous mène à grande vitesse vers quelque chose d’indéfinissable, pour nous y perdre au lieu de nous aider à nous y retrouver !

7. Y a-t-il des lieux imaginaires, rêvés ou perdus, qui vous habitent de manière significative ?

Philippe Delaveau : Oui, les lieux qui signifient l’enfance, parce qu’ils sont associés à son mystère, et donc à l’origine – qui est aussi celle de la parole de poésie ou de fiction. Ce sont souvent des lieux très concrets, avec un élément de paysage – arbre, rivière, maison, ciel, etc. – parfois très localisables, mais que la mémoire a transformés pour en faire des lieux obsessionnels, comme si dans leur atmosphère si particulière le secret semblait plus proche de se révéler. Je me souviens en particulier d’un paysage très émouvant, qui m’a parfois remué jusqu’à la plus forte émotion : la petite vallée qui s’étend face à la façade arrière du château de Saché. On peut suivre des yeux ce gros ruisseau, cette petite rivière, entre la forêt d’un côté, les broussailles de l’autre, la vallée est dégagée, mais elle s’éloigne et bascule bientôt dans quelque chose d’indistinct. Cette zone entre le distinct et l’indistinct est précisément l’équivalent du lieu que les poèmes visitent, au fond de nous, où ils retrouvent le lien avec l’inconnu, mais aussi la promesse d’une révélation à venir qu’il faut patiemment déchiffrer.

8. Comment définiriez-vous le passage entre votre perception d’un lieu, et l’écriture ?

Philippe Delaveau : Longtemps après, et de manière très étrange, les lieux, les gens rencontrés, le moindre objet, s’ils ont quelque chose à me dire, « remontent » à travers moi avec le signe explicite d’une présence, m’invitant à un déchiffrement de ce signe en relation avec mon existence. Généralement cette « remontée » se fait avec des séquences déjà ordonnées, fermées sur elles-mêmes, en attente de formes. Le passage me semble la traversée de ce que je me représente comme une succession de couches et de strates spatio-temporelles – s’agit-il de l’inconscient ? ou plutôt du préconscient spirituel ? En fait il est très difficile de définir où se situe cette zone d’attente et de maturation des signes du monde, – qui sont des images complexes, et dans le cas de l’écrivain, des ordonnances de mots. Mais je sais quelle étrange impression de fébrilité heureuse s’empare du poète au moment où ces séquences s’approchent de sa conscience et avec quelle rapidité il faut noter leur émergence, car elles signifient moins par ce qu’elles disent que par ce qu’elles formalisent. Et si nous n’avons pas su les recueillir à temps, nous ne les rencontrerons plus. A quel rythme cela se fait-il ? à quel moment par rapport à l’expérience de la réalité ? C’est très aléatoire. Parfois ces surgissements ont lieu au petit jour, dans le premier matin des sens, dans la disponibilité de cette sorte d’intelligence inventive, ou bien de manière impromptue, comme dans le cas de la mémoire involontaire, ou bien encore dans le cas de la mémoire volontaire, cette fois-ci, selon des mécanismes inattendus. Une image, une mélodie, une rêverie même, peuvent déclencher tout à coup le surgissement de quelque chose qui attendait son moment d’émergence.

9. Comment se manifeste pour vous l’inspiration poétique ?

Philippe Delaveau : Vous employez un mot délicat, qui a été l’objet de critiques sévères de la part des poètes, à cause de ce qu’il signifie dans les milieux les moins avertis : une sorte d’opération magique à bas prix par laquelle un écrivain se contente de recevoir un poème tout fait qu’on lui envoie par paquet cadeau. Certes, il existe quelque chose que ce mot tente de désigner maladroitement. Mais comme il est difficile d’en parler ! Ce sont des instigations sous des formes variées, parfois, dans leur aspect le plus fort, une sorte de fébrilité qui promet ce que l’on reçoit alors sans toujours le comprendre : des formulations brisées, fragmentaires, qui peuvent guider l’invention poétique. D’autres fois, seulement une sorte d’émotion autour d’un mot, d’un objet, de quelque chose dont on ne sait pas même ce qu’il est et qui s’apprête à remonter des profondeurs où il était caché : un rythme, une évocation, une image. Mais tout cela n’est guère qu’une sorte de promesse de poèmes, nullement le poème achevé, qui fait appel à ces coopérations complexes entre le poète et les mots qui l’appellent. Mieux vaut parler alors d’expiration, pour qualifier ce travail de montage, qui est le souffle sortant de l’âme ? du cœur ? du ventre ? du métier ? du poète – tout cela étant engagé ensemble, d’une manière infiniment mystérieuse. Ainsi l’intelligence ne joue pas ici le premier rôle, je veux dire l’intelligence critique. Mais l’intelligence artistique, qui soupèse et mesure les nuances imperceptibles, les effets de sonorité, de rythme, de mesure interne, et qui peut ne pas toujours comprendre la signification ultime de ce qui est dit. D’où la nécessité de conserver l’esprit d’enfance, qui est une sorte d’innocence de l’être par rapport à ses relations avec lui-même et avec le monde.

Avec Betrand Tavernier pour la remise des prix de la SGDL

10. Quelle est l’importance de la peinture et de la musique pour vous ?

Philippe Delaveau : Ce sont deux arts considérables, chacun dans leur ordre. La musique m’a toujours fasciné, plongé même dans des ravissements inouïs. D’ailleurs je cherche dans mes poèmes à réintroduire des éléments propres à la musique : le rythme, que les contemporains ont généralement proscrit, et les effets de longueur de syllabes (comme dans les « pieds » de la poésie antique). À dire vrai, je ne sais lequel des deux me touche le plus : tout dépend de l’heure et des conditions psychologiques. Il m’est arrivé d’écouter pendant des journées entières, quand j’avais sept, huit ans, des morceaux de Mozart, Beethoven, Schubert, à la campagne, allongé sur le parquet d’une chambre, et de ressentir violemment ces morceaux, répétés sans fin. J’aurais aimé me consacrer à ces deux arts, à la musique, très tôt, puis à la peinture. La peinture est dans un premier temps plus proche, dans la mesure où elle relève de l’écriture, mais elle diffère en transcendant les mots. Ce que fait aussi la musique, qui est sans doute l’art le plus haut, le plus grand, le plus mystérieux, qui nous ouvre véritablement un autre monde. La poésie, qui reste tributaire des mots d’une langue particulière, tire néanmoins sa grandeur de la primauté du verbe, comme il est dit dans la Bible : « Au commencement était le Verbe… » Mais la langue est radicalement blessée depuis la chute, depuis l’expérience si terrible de la Tour de Babel – et chaque langage de poésie cherche à remonter vers le verbe originel pour approcher le Verbe, si bien qu’il y a une grandeur douloureuse dans toute parole de poésie, dans toute grande profération de langue. Et le langage poétique considère avec émerveillement et envie les aptitudes de la musique ou de la peinture, plus proches de l’universel, moins atteintes par les conséquences de la chute – sinon dans les temps actuels, par la perte du « sens ». Mais s’il y a « sens », c’est donc avec des mots : la crise des arts plastiques est seconde par rapport à la crise qui frappe la pensée et la langue. Il existe néanmoins de belles entreprises de peinture ! J’ai eu la chance de pouvoir travailler à des livres avec quelques peintres, qui m’ont beaucoup appris de leur art – et de la poésie en retour, par ces démarches « croisées » où le peintre accompagne les mots du poète, ou l’inverse : le poète inscrit ses mots sur les peintures ou les gravures. Je songe ainsi à Baltazar, Laubiès, Bertemès, Hélénon, Chauder, Pardon, Pouperon, Youl, Alechinsky, Antonio Seguí, etc. Je serais ravi de pouvoir travailler avec des compositeurs !

11. Quelles sont vos lectures aujourd’hui, lisez-vous les mêmes auteurs qu’auparavant ?

Philippe Delaveau : J’aime particulièrement le roman. Je lis même davantage de romans que de recueils de poèmes. Trop de livres de poèmes me tombent des mains… Si bien que je reviens toujours à ceux qui m’ont enchanté ! Et je m’aperçois qu’aussi bien pour les romans que pour les poèmes, je préfère de loin les auteurs étrangers contemporains aux auteurs français, sinon quelques uns que j’admire indéfectiblement ! Ce n’est pas facile d’analyser ce qui manque aux œuvres écrites ces derniers temps en France, mais je constate le même défaut de l’une à l’autre. Disons qu’elles sont dépourvues de réalité, elles tournent à vide comme des moulins, elles font faire du bruit aux mots qui restent des mots, au lieu de se dépasser pour permettre à la « magie mineure » d’avoir lieu. Il faut qu’un bon roman nous transporte, que nous ne voyions plus les mots mais la scène à cause de la force de réalité des personnages. De même, un poème réussi doit provoquer en nous une émotion qui nous mette dans un état bien particulier. Il faut que le romancier ou le poète se laissent emporter par la vision profonde, qu’ils écrivent comme en rêve, qu’ils s’emparent alors de toute la réalité qu’ils ont ingurgitée – psychologique, matérielle, spirituelle – pour faire accéder à l’autre vie, la vie seconde, qui est celle de l’art.

"IL N’EST TEMPS D’AUCUNE HEURE", poèmes de Philippe Delaveau, gravures de Julius Baltazar, peintures de Jean Cortot, Éditions Laure Matarasso, Nice 2008

12. De quoi êtes-vous le plus fier ?

Philippe Delaveau : Je ne sais pas si j’emploierais l’adjectif que vous utilisez : « fier » ! Je préfèrerais dire de quoi je me « réjouis » ! De ma femme et de nos enfants ! Les vrais enfants, parce qu’une œuvre d’art ne sera jamais l’équivalent d’un être humain ! D’avoir reçu la grâce d’écrire les livres que j’ai écrits sans sacrifier la vie de famille – du moins je l’espère – contre l’avis ambiant qu’un artiste ne doit pas s’écarter de la seule tâche artistique ! Ce qui me semble une ineptie. Le regard que l’on porte sur soi, sur le monde est transfiguré de manière radicale par la relation amoureuse et paternelle. On ne voit plus les choses de la même façon quand on a reçu la grâce de la paternité – ou de la maternité pour les femmes ! Déjà, on commence par relativiser toutes les choses, à les situer dans leur vraie hiérarchie de valeurs ! D’ailleurs Jean-Sébastien Bach avait vingt-et-un enfants, si je ne me trompe, ce qui devait faire passablement de bruit dans la maison… Mozart aussi a fait l’expérience de la paternité. Plus près de nous, Bernanos avait cinq enfants ! Je me réjouis d’avoir rencontré celle qui devait devenir ma femme, une vraie littéraire, qui a accepté de vivre cette aventure qui n’est pas évidente, croyez-moi ! et dont le jugement et les conseils m’ont toujours été très précieux… Et qu’il m’ait été donné le temps et la force de pouvoir offrir à des étudiants ce qu’ils attendaient, en sacrifiant souvent les livres pour les conseils et l’attention dont ils avaient besoin, même si beaucoup d’entre eux ne se doutaient pas de ces choix douloureux !

Belgrade, lecture à la Bibliothèque Nationale de Serbie, 2010

13. Votre péché mignon…

Philippe Delaveau : Je n’en ai pas qu’un seul, hélas ! et ils n’ont rien de mignon… Beaucoup de péchés, hélas ! disons, parmi les plus avouables, que je suis très gourmand !

14. Un rêve à réaliser ?

Philippe Delaveau : Comme écrivain, oui, il y a ce rêve de parvenir au vers « absolu », qui manifeste tout ce que les poèmes ont tenté maladroitement et trop longuement de dire. Et puis de pouvoir achever tous les livres qui attendent, et qui envahissent ma vie quand je ne parviens pas à les écrire. Je sais de quoi je parle !

15. Quel est le meilleur compliment qu’on puisse vous faire ?

Philippe Delaveau : Me dire qu’on se sent plus heureux après avoir lu un de mes livres. Surtout si l’on ajoute que l’on aura adhéré à une parole d’humanité et non pas à un jeu intellectuel. Que l’on aura partagé à travers la médiation du poème ce qui fait le lot des grandes expériences d’humanité, à travers les relations conflictuelles et complexes qui nous font traverser la souffrance pour atteindre la joie. Que cette lecture aura permis d’admettre qu’il existe un sens à tout ce qui est, à chacune de nos vies. Permettez-moi d’ajouter ceci : ce que j’ai reçu – et en particulier ce don d’écriture, il me vient d’un autre, du Tout-Autre ! Aussi le meilleur compliment qui pourrait m’être fait, je ne devrais pas l’accepter, mais dire, tout au contraire, que je ne le mérite pas : car je n’aurais pas réussi à faire ce qui est le moins mauvais si je n’avais pas reçu, comme tout artiste – mais beaucoup ne se doutent même pas du merveilleux don qu’ils reçoivent – le don gratuitement donné pour cette mission particulière de l’art !

Dans l'atelier de Julius Baltazar, décembre 2009

16. Quels sont vos projets pour 2011 ?

Philippe Delaveau : Parvenir enfin à écrire les grands livres auxquels je n’ai pas pu m’atteler, et qui tournent dans ma tête comme des chauves-souris ! équilibrer enfin, selon une exigence de densité et de transparence ce que je pourrais considérer comme un poème tout à fait réussi ! Reprendre d’anciens poèmes et tenter de les retravailler pour supprimer tant de défauts qui me découragent maintenant qu’ils se découvrent à mes yeux avec tant d’évidence !

Pour en savoir plus sur Philippe Delaveau

La mesure de Pavel Lounguine au service de la démesure russe

by Alix de Boisset on septembre 16th, 2010 Commentaires fermés

Au croisement des cultures françaises et russes, Pavel Lounguine demeure l’un des cinéastes les plus complets de notre époque. A la fois scénariste et réalisateur, Pavel Lounguine s’est tissé une filmographie tout en contrastes faite de thèmes puissants, d’humanisme doté d’un réalisme touchant. Union étroite entre la vie quotidienne et les disparités sociales qui font écho à la société russe actuelle, touches de burlesque débridées proches de son contemporain slave Emir Kusturica, célébration du folklore russe, spiritualité époustouflante : les films de Pavel Lounguine possèdent un style unique empreint d’insatisfaction et d’absolu, d’espérance et de désespérance, de lumière et de noirceur. Cette opposition des genres, cette variation des rythmes, donnent à Pavel Lounguine une identité russe propre.

Son premier long métrage, Taxi Blues, est applaudi par la critique et remporte le prix de mise en scène au Festival de Cannes. Pavel lounguine y décrypte la société russe à l’heure de la Perestroïka initiée par Mikhaïl Gorbatchev, à travers l’amitié entremêlée de haine qui unit un chauffeur de taxi à un saxophoniste. Avec Luna Park, Pavel Lounguine relate le parcours initiatique d’un skinhead nationaliste et antisémite qui se découvre des origines juives deux ans après l’effondrement du régime soviétique.

Peintre du cinéma, Pavel Lounguine manie la caméra tel un pinceau pour dresser le portrait quotidien de la société dans laquelle il évolue et décrypter les mutations économiques et sociales à l’oeuvre en Russie : portait de gangsters (Ligne de vie, 1996), portait de famille (La Noce, Familles à vendre), portait politique d’un oligarche russe (Un nouveau Russe).

Fort de cette filmographie qui met en scène toute une galerie de portraits, Pavel Lounguine a changé de registre pour se consacrer au sujet religieux donc mystique et intemporel. Avec L’île, Pavel Lounguine plonge dans une oeuvre liturgique ancrée dans l’orthodoxie russe à travers le récit d’un ancien marin qui, après avoir trahi son ami pendant la Seconde Guerre Mondiale, s’est échoué sur une île où des moines l’ont accueilli. Au fil des années, il acquiert une réputation de sainteté mais tourmenté par sa faute, il se sent indigne de cette sainteté et sème le trouble. Pavel Lounguine marque un tournant dans sa carrière avec cette oeuvre spiritualiste qui touche au coeur même de l’âme russe. Dans la grande tradition de Bergman, Tarkovski, Roublev, Dreyer (…), Pavel Lounguine signe un film d’une grande noirceur et d’une profonde clarté : véritable catharsis, cette oeuvre poursuit la quête du Beau, du Vrai, du Salut qui conduit l’homme à surpasser son destin.

Son dernier film Tsar, livre une introspection de l’Histoire de la Russie en évoquant le destin d’Ivan le Terrible soixante-six ans après le chef d’oeuvre censuré d’Eisenstein. Véritable épopée shakespearienne, Pavel Lounguine y décrit la folie mystique du Tsar Ivan IV dans une Russie en proie aux complots et au désordre. Découpé en quatre segments (la prière, la guerre, le sacrifice et le divertissement du Tsar), cette fresque relate l’amitié déchue entre deux hommes de pouvoir : Ivan, monstre sanguinaire détenteur du pouvoir temporel, et Philippe, le chef de l’Eglise russe, investi d’un pouvoir spirituel. Célèbre duel entre le tyran et le saint, le Bien et le Mal, le peuple et le pouvoir, Pavel Lounguine dresse une métaphore à la fois stupéfiante et magistrale de la Russie.

Touchant à l’humain et au divin, Pavel Lounguine tapisse sa filmographie de thèmes variés mettant en scène son pays natal sous des couleurs tantôt folkloriques, tantôt sociologiques, tantôt historiques. Observateur de l’âme russe, Pavel Lounguine permet au monde entier de mieux appréhender la démesure russe : bouffonne, nostalgique, violente et mystique.

A.R Rahman ou « le Mozart de Madras »

by Alix de Boisset on septembre 10th, 2010 Commentaires fermés

Illustre figure de la musique indienne contemporaine, Allah Rakha Rahman est devenu une icône de toute une génération. Mixant des rythmes traditionnels issus de la musique gazhal et des sonorités nouvelles, expérimentant de nouveaux procédés et des genres différents, mélangeant des techniques modernes et des instruments de la cour des grands Moghols, Rahman est un compositeur qui se situe entre orient et occident, nord et sud, tradition et modernité, richesse et pauvreté.

Essentiellement compositeur de musiques de films, Rahman s’est révélé au monde entier à travers la bande originale du premier film d’un triptyque du tamoul Mani Ratnam (Roja,1992) consacré au terrorisme, dont les mélodies se sont répandues à des millions d’exemplaires. Enchaînant les succès avec les films tamouls (Gentleman, Kdhalan, Indian…), les films hindis (Rangeela, Taal, Lagaan…), il a connu en 1997 un succès mondial avec la sortie de l’album « Vande Mataram » qui célèbre le 50ème anniversaire de l’indépendance de l’Inde.

Reconnu par les grands maîtres de la musique indienne tel que Zakir Hussain aux côtés duquel il a travaillé, et diplômé de la Trinity College de l’université d’Oxford, Rahman possède une formation classique solide qui lui permet d’apporter à la musique indienne une dimension davantage internationale et contemporaine. Audacieux, brisant tous les codes rigides de l’orchestration classique indienne, Rahman se positionne autant comme un expérimentateur qu’un visionnaire à travers ses créations éclectiques.

Fort de plus de deux cent millions d’albums vendus, Rahman ne cesse de recevoir distinctions et autres récompenses pour ses compositions et productions : impossible de ne pas citer les deux oscars remportés en 2009 pour la musique du film Slumdog Millionnaire de Danny Boyle.

Rahman fait désormais partie du paysage culturel indien : un paysage aux milles facettes, à la croisée d’un passé doté d’une richesse inépuisable, d’un présent rempli de paradoxes et d’un avenir prometteur. Musicien de la rue pour les indiens défavorisés pour lesquels les films de Bollywood rythment le quotidien, musicien des indiens aisés dont les décors de Bollywood participent à leur quotidien, Rahman permet au monde entier de goûter à la grandeur de ce pays : coloré, fascinant, et contradictoire.

Pour en savoir plus sur A.R Rahman :

http://www.dailymotion.com/video/x3wkj5_ishq-bina_music

http://www.arrahman.com/

Aurélia Thierrée Chaplin sous « les feux de la rampe »

by Alix de Boisset on juillet 16th, 2010 Commentaires fermés

Petite-fille de Charlie Chaplin, fille de Victoria Chaplin et de Jean-Baptiste Thierrée, soeur de James Thierrée, Aurélia Thierrée Chaplin est plongée dès le berceau dans l’univers du spectacle, jouant dès l’âge de 3 ans sur les planches avec ses parents. Après avoir cherché à s’éloigner du monde du spectacle quelques temps en enchaînant des petits boulots à New York, l’envie de remonter sur scène la rattrape. Elle collabore à des spectacles de Broadway avant de participer aux « Tiger Lillies Circus » dirigé par Martyn Jacques. Elle tourne aussi pour le cinéma sous la direction de Milos Forman, Colinne Serreau, Jalil Lespert avant de voguer entre cirque et danse dans « L’Oratorio d’Aurélia » dirigé par sa mère Victoria Chaplin depuis maintenant 7 ans. Polyvalente, atypique et talentueuse, Aurélia Thierrée Chaplin tisse avec succès une carrière tout en finesse.

1. Vous considérez-vous comme une figure du spectacle ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Je ne sais pas. Le spectacle est un mélange fragile. Chaque soir, je suis tout a fait consciente qu’il peut se briser. Il reste toujours un aspect indomptable, imprévisible. C’est ce que j aime : cette fragilité. On devient autre.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Aurélia Thierrée Chaplin : C’est un hybride, difficile à définir. Le langage théâtral de Victoria est un langage visuel, qui puise ses racines dans le music-hall, entre autres, mais qui s’inspire aussi de la danse, d’ images, etc. On pourrait le qualifier de « théâtre visuel » ?

3. Racontez-nous votre parcours…

Aurélia Thierrée Chaplin : J’ai fait mes premiers pas sur scène à l’âge de 3 ans puis j’ai voyagé en caravane les dix premières années de ma vie. Mes parents nous ont mis sur scène pour ne pas avoir à se séparer de nous, c’était une manière de rester ensemble. A 14 ans, j’ai voulu l’aventure, et l’ aventure pour moi, était d’aller a l’école, rester dans une maison. J’ai l’ impression d’avoir eu plusieurs vies, d’avoir souvent fait les choses à l’inverse, mais que tout m’a servi, et me sert. A un moment donné, le théâtre m’a manqué. Le spectacle s’est monté petit à petit. Je n’ai pas réfléchi : c’était une envie viscérale et ma famille me manquait. J’ai fait du cabaret a Berlin, tourné avec un groupe qui s’appelle « les Tiger Lillies », joué dans quelques films et pratiqué d’autres métiers. Je suis consciente d’avoir un parcours atypique, que j’espère aussi, imprévisible.

4. Le spectacle, on peut dire qu’il est inné dans vos veines… Vous a-t-il été difficile de vous démarquer du travail de vos prédécesseurs ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Je ne sais pas si le spectacle peut être inné… ça serait bien ! Je crois qu’on se définit petit a petit : on recherche, on peaufine, à l’infini. Il y a un style propre à nos spectacles, un langage commun mais nous avons tous les quatre des personnalités différentes, si par prédécesseurs vous vouliez dire mon grand père, mes parents et mon frère. On se démarque de cette façon là, par nos styles différents dans des univers un peu similaires.

5. Quels sentiments ressentez-vous à l’égard de votre grand père, Charlie Chaplin ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Je suis une fan, comme tant d’autres. Cela apporte un côté un peu surréaliste à mon existence, ce lien avec un personnage qui appartient à tout un chacun. Surréaliste donc, un peu abstrait et beau.

6. Quel regard portez-vous sur votre mère, Victoria Chaplin ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Je lui fais une confiance aveugle. Elle a son univers, un imaginaire fort. C’est une « inventrice ». Son talent est immense.

7. Quand et comment avez-vous ressenti le besoin de devenir comédienne ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Le théâtre me manquait : son odeur, le bois qui craque, une salle dans l’obscurité. Il n’y a pas eu un moment précis, mais de nombreux moments qui se sont accumulés.

8. Parlez-nous de « l’Oratorio d’Aurélia »…

Aurélia Thierrée Chaplin : L’Oratorio est un spectacle visuel qui fonctionne avec l’imagination du public. Il est fait d’un travail artisanal, fait de fils et de cartons, de coordination entre nous, sur scène, et le public. Les effets visuels sont simples a deviner. Ce qui est intéressant et beau, c’est le moment où les gens décident de ne pas chercher à deviner et se laissent emporter par une histoire, ou par divertissement. A Londres, un critique avait intitulé son article sur l’Oratorio : « supension of disbelief. »

9. Comment se passe votre collaboration avec votre famille dans tous ces projets qui vous unissent ?

Aurélia Thierrée Chaplin : On s’enthousiasme pour un projet, on en parle, on construit, on essaye, on imagine. Pour l’Oratorio, Victoria a créé presque tout. A une époque, j’aimais dire qu’elle avait tout fait, même moi. Concrètement, elle construisait les numéros, et ensuite, elle me jetait dedans, pour trouver leur logique, les rendre personnels, etc.

10. Comment définiriez-vous l’univers « Chaplin – Thierrée » ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Ils ont créé leur propre style, tout a fait original.

11. En quoi consiste votre travail quotidien ?

Aurélia Thierrée Chaplin : En tournée ou hors tournée ? Dans les deux cas, je dois garder un minimum de discipline. Cette année est chargée parce que nous tournons L’Oratorio et en parallèle, nous répétons un nouveau spectacle.

12. Quel est le meilleur compliment qu’on puisse vous faire ?

Aurélia Thierrée Chaplin : A Berkeley, en janvier dernier, un chien de service a assisté au spectacle ( la personne était handicapée) mais nous ne le savions pas. A un moment du spectacle, je me fais manger la jambe : il n’y a pas de musique à ce moment là. Dans la salle, j’ai entendu un gémissement de chien qui m’a surprise. Puis à un autre moment, Jaime Martinez (mon partenaire de scène) m’attaque et la, le chien a aboyé. Il parait qu’il se tenait assis, tout droit, sans bouger, à suivre le spectacle, et qu’il était d une concentration impressionnante.

13. Quel métier souhaitiez-vous faire enfant ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Fermière-végétarienne.

14. Avez-vous le sentiment d’une évolution, une maturité dans votre style ?

Aurélia Thierrée Chaplin : C’est un des seuls bénéfices du temps, non? On apprend, on désapprend, on peaufine, on recommence : on en sait de moins en moins, mais en connaissance de cause, on continue d’apprendre. On s’inscrit dans la durée, peut être. Si un jour le spectacle s’arrêtait, alors ça serait autre chose, je m’adapterais. Je crois. Je n’en sais rien. Pour l’instant, c’est ma vie, et c’est un choix de vie.

15. Que faites-vous quand vous ne travaillez pas ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Là, tout de suite ? Premier jour off. Il fait beau, je rentre a Paris dans quelques heures. J’ai fait du café et je vais faire ma valise.

16. Quel est votre péché mignon ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Les films en plein milieu de la nuit : me réveiller a trois heures du matin, et regarder un film. Mais j’aime aussi lire, écrire, garder des moments isolés, suspendus, voir le jour se lever, et me rendormir quelques heures, si possible.

17. Un rêve à réaliser ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Oui.

18. Vos projets ?

Aurélia Thierrée Chaplin : Ce nouveau spectacle, au titre provisoire de « Murmures de murs » dont la première a lieu à la Rochelle début 2011, puis la tournée en France jusqu’à la fin mai.

Chantal Thomass mise à nu

by Alix de Boisset on juin 14th, 2010 Commentaires fermés

@ Fabien Lemaire

Reconnaissable par sa silhouette et son style, Chantal Thomass parvient à allier l’élégance, le charme et le désir au sein de ses créations. Féminine et impertinente, cette icône glamour de la mode est la première créatrice qui a réussi à faire prendre le dessus aux dessous. Entretien avec cette papesse de la lingerie qui entretient un ton, un nom et un style depuis ses débuts.

1. Vous considérez-vous comme une figure de la mode ?

Chantal Thomass : Je suis reconnaissable par la touche glamour de mes créations.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Chantal Thomass : Pour ce qui est de mon style personnel, j’empreinte beaucoup d’éléments à la garde robe masculine. Je mets rarement une robe de mousseline sauf quelquefois pour sortir le soir mais je suis plutôt en smoking ! J’aime aller de l’avant, avec toujours une envie d’entreprendre de nombreuses choses. Quant à mon style professionnel, je suis très curieuse et j’aime découvrir de nouveaux métiers. J’ai fait des meubles il y a deux ans et là je lance pour le Designer day une collection de lustres et de miroirs pour Véronèse qui sont fabriqués et soufflés à la main en Italie à Venise dans un style 18ème revisité.

3. Racontez-nous votre parcours…

Chantal Thomass : J’ai commencé fin des années 60 en 1968-1969 à l’âge de 18 ans : mes parents m’ont émancipé car la majorité était à 21 ans. Au début j’ai fait quelques robes sous le nom de « Ter et Bantine » avec mon fiancé qui étudiait aux Beaux Arts. Mes premières robes étaient composées de tissus peints. Je sortais beaucoup à l’époque et je faisais faire ces robes par ma mère. Les gens trouvaient en général mes habits très beaux ! Au culot, j’ai envoyé trois robes à la boutique branchée de l’époque à Saint-Tropez, le Café des Arts, dans un petit paquet en disant : « voilà mon travail, est-ce que cela vous intéresse ? ». Ils m’ont appelée huit jours après : j’avais vendu une robe à Brigitte Bardot, une autre à Michelle Mercier et une dernière à une autre star de l’époque. On m’a alors demandée d’en faire vingt de plus. On a donc passé l’été à Saint-Tropez allant chercher l’argent dès qu’une robe était vendue ! En septembre, j’ai décidé de faire ce métier. A l’époque, il y avait la mode et la Haute couture. Le prêt à porter était basique, et la Haute Couture était très loin de mon univers de mes 18 ans. Progressivement, j’ai appris le métier, j’ai eu un petit atelier et puis un grand. Sept ans plus tard, j’ai eu envie de changer de style, je me suis sophistiquée, j’ai appris les belles matières et la griffe est devenue « Chantal Thomass pour Ter et Bantine » et un peu plus tard « Chantal Thomass ».

4. A quoi ressemble la femme « Chantal Thomass » ?

Chantal Thomass : C’est une femme qui est féminine, qui essaie de trouver son style, qui ne cherche pas à imiter quoi que ce soit et qui choisit des choses qu’elle aime et qui les mélange. Cette femme n’est pas forcement dans la tendance. La lingerie n’a pas d’âge car c’est un raffinement que des femmes aiment toutes leurs vies de 16 ans à 80 ans. C’est un luxe qu’on ne montre pas à tout le monde. La clientèle, c’est une femme raffinée qui fait attention à son corps et a envie d’être jolie le matin.

5. Quelles sont les valeurs que vous souhaitez transmettre ?

Chantal Thomass : Je n’essaie pas vraiment de faire passer des messages. J’ai juste envie que les gens se sentent bien, que les femmes se sentent belles, qu’elles soient heureuses, aient confiance en elles et plaisent à leurs hommes. Je n’ai pas de message philosophique à transmettre !

6. Les critères de beauté ont changé depuis le début du siècle…

Chantal Thomass : Jusqu’en 1900, les femmes étaient en rondeur avec des formes. Dans les années 1920, c’est la garçonne : les femmes deviennent plates, montrent leurs jambes et veulent bronzer. Il y a un vrai besoin de liberté. Les soutiens gorges de Chanel par Cadole étaient des aplatisseurs parce qu’il ne fallait pas de poitrine. Dans les années1940, les femmes se sont ré-arrondies et les soutiens-gorges sont devenus plus pointus. Et les années 1950, c’est le New Look de l’après guerre, la taille est très fine et serrée parce que les femmes ont maigri. Dans les années 1970, la silhouette est longiligne, plate, à la Jane Birkin, on ne portait pas de soutien-gorge. Dans les années 1980, je suis arrivée avec de la lingerie au milieu d ‘une génération sans soutien-gorge et porte jarretelle. J’ai donc eu envie de lingerie fine et sexy que j’ai présentée dans les défilés de prêt à porter comme accessoire et ça a été un choc. J’ai commencé la lingerie par hasard sans penser à en faire une carrière.

7. Comment sélectionnez vous les matières ?

Chantal Thomass : J’adore travailler les matières. Je vais beaucoup à Calais pour les dentelles, en Suisse pour les broderies et en Italie pour les imprimés. Je m’inspire beaucoup de leurs livres d’archives. J’arrive avec une idée et on la retravaille. Les corsets sont fabriqués par des artisans qui sont devenus rarissimes.

8. Quelles exigences la lingerie de luxe doit-elle respecter ?

Chantal Thomass : Les matières doivent être douces et agréables, et ne doivent pas irriter la peau. La lingerie doit être esthétique, bien coupée, fonctionnelle et originale.

9. Comment se passe votre processus d’inspiration ?

Chantal Thomass : Je recherche d’abord les matières. Je collectionne beaucoup les livres anciens, les magazines, des piles et des piles de Elle, Vogue, des pièces anciennes de lingerie, j’en ai des boîtes et des boîtes… Les idées viennent de tout : une expo, des livres anciens. J’ai souvent tendance à m’inspirer de choses anciennes : le 18ème siècle (un corset, un noeud, un froufrou d’une robe de Marie-Antoinette), un film, et un tissu d’homme. Par exemple j’ai crée un soutien-gorge avec une cravate minuscule : j’aime les choses décalées.

10. Quels sont les univers artistiques qui vous inspirent ?

Chantal Thomass : Ce peut être la peinture, une expo, le ciné, les concerts, une multitude de choses en réalité.

11. L’évolution de la mode se concentre-t-elle dans vos collections ?

Chantal Thomass : Oui, il y a toujours un petit côté pin up, il y a des saisons où c’est plus épuré, d’autres où c’est plus froufrou, ou d’autres dans un style années 20 ou Marie-Antoinette. Cela dépend de mon inspiration du moment.

12. Comment sélectionnez les composants de vos parfums ?

Chantal Thomass : Je ne les choisis pas directement, on me les propose. La personne qui compose le jus me pose plein de questions : quels sont mes souvenirs d’enfance, mes odeurs préférées. Elle nous fait sentir 6 ou 7 essais puis on les retravaille pour que ce soit plus piquant par exemple. J’ai fait deux parfums : le premier, « Ame coquine » qui est très sucré, gourmand, et le deuxième, « Osez-moi », qui est plus fleuri à base de roses principalement.

13. Parlez-nous de votre boutique rue Saint Honoré que vous avez réalisée avec le designer Christian Ghion

Chantal Thomass : J’avais envie d’un boudoir contemporain. J’ai travaillé avec Christian Ghion qui a apporté sa touche contemporaine et des matériaux que je ne connaissais pas. Les cabines sont roses et capitonnées, et l’éclairage est étudié pour se sentir belle.

14. Quelle pièce seriez vous si vous étiez une pièce de lingerie ?

Chantal Thomass : Un soutien-gorge car c’est ce qui met vraiment en valeur la femme et qui marque notre grande différence avec les hommes.

15. Qu’est ce qui selon vous crée une mode ?

Chantal Thomass : C’est un mélange, une idée partie d’un créateur adaptée par la rue qui la rend accessible à tout le monde. Mais maintenant c’est difficile car tout est sur internet : quand un couturier présente ses collections, le prêt à porter copie très vite.

16. La mode est-elle une industrie comme une autre ?

Chantal Thomass : La mode est d’abord une composante de l’industrie du luxe mais elle reste une industrie comme une autre.

17. Le luxe et la mode : quelles différences ?

Chantal Thomass : Le luxe c’est la rareté, l’exception, la qualité. Un sac Hermès, on le désire : il faut le commander, il est fait spécialement pour vous, il y a un savoir faire autour. Le vrai luxe c’est l’artisanat. Mais c’est vrai qu’actuellement le luxe s’est beaucoup démocratisé.

18. Quel est votre péché mignon ?

Chantal Thomass : La gourmandise ! Les pâtisseries, notamment les macarons de chez Ladurée.

19. Avez-vous un rêve à réaliser ?

Chantal Thomass : Oui encore pas mal de rêves ! J’aimerais bien faire plus de déco : décorer un hôtel ou un restaurant.

20. De quoi êtes-vous la plus fière ?

Chantal Thomass : Mes deux enfants. Mon fils qui travaille dans le cinéma et ma fille qui est artiste peintre.

21. Quelle femme représente pour vous le plus la féminité le plus aujourd’hui ?

Chantal Thomass : Dita von Teese, c’est la féminité poussée à l’extrême, une icône du glamour. Rania de Jordanie est aussi très féminine, Scarlett Johansson ou Vanessa Paradis.

Pour en savoir plus sur Chantal Thomass :

www.chantalthomass.com

Bernard Dufoux, l’art subtil du chocolat

by Alix de Boisset on mai 27th, 2010 Commentaires fermés

Bijoutier du chocolat, Bernard Dufoux est un artisan dont les créations savoureuses et innovantes le placent comme l’un des dignes représentants de la tradition chocolatière. Après un passage en tant qu’apprenti chez Bernachon, c’est à La Clayette en Saône et Loire, au coeur du Charolais Brionnais, que Bernard Dufoux a installé sa chocolaterie pour créer, travailler, et inventer des chocolats puissants et audacieux.

Passionné par le chocolat, Bernard Dufoux est parvenu à allier magie et savoir faire, tradition artisanale et innovation. Soucieux de l’excellence des matières premières qu’il emploie, ce conquérant du goût exploite la noble fève de cacao dans tout son éventail de créations.

Entouré d’ouvriers qualifiés, cet artisan de renom privilégie les fèves de cacao de type Criollo, très aromatiques, venant d’Amérique Latine (Colombie, Venezuela, Equateur) et des Caraïbes, tout en conservant minutieusement le beurre de cacao que contiennent ces fèves.

Ses spécialités ? Les ganaches aux épices ou aux plantes préparées à partir d’une crème onctueuse, les pâtes d’amande enrobées de chocolat noir, les pralinés aux noisettes ou amandes. Certaines de ses créations sont baptisées Vadouvan, Secret Tibétain, Conquistador, Pavé Charolais ou Lamartine pour rendre autant hommage aux origines sud-américaines du chocolat qu’à la richesse du patrimoine gastronomique bourguignon. Caramel, nougatine, pralinés, chocolats aux épices, ganaches, pâtes d’amande… Autant d’invitations au voyage pour les palais en quête de goûts savants et audacieux.

Connu et plébiscité par tout un cercle très fermé de critiques gastronomiques et de personnalités dont Sonia Rykiel et Irène Frain, Bernard Dufoux figure dans le Guide des meilleurs chocolatiers de France. Attentif à sa clientèle, Bernard Dufoux a développé depuis de nombreuses années, des visites de sa chocolaterie ainsi que des cours de chocolat, et a ouvert une boutique à Lyon.

Pour en savoir plus sur Bernard Dufoux :

http://www.chocolatsdufoux.com/

La maison Vouelle ou deux américaines à Paris

by Alix de Boisset on avril 30th, 2010 Commentaires fermés

Fondée par Melissa Regan et son époux Julien de Vogèle, la Maison Vouelle est née de la volonté de répondre aux désirs des femmes d’aujourd’hui dans la pure tradition du Luxe à la Française. La Directrice Artistique de la maison, Michelle Boor crée des modèles de souliers sur mesure, entièrement façonnés en Italie et habillés de matières nobles et précieuses sélectionnées pour leur qualité et leur singularité : satins de soie, crêpes, organza, cuirs, peaux exotiques. « Une esthétique intemporelle et novatrice à la fois, une allure aérienne et sensuelle, le tout pour un raffinement visuel et une signature du travail d’artisans hautement expérimentés », tel est le mot d’ordre de Vouelle. Rencontre avec Melissa Regan et Michelle Boor dont le talent immense et la gentillesse m’ont autant enthousiasmé que leurs souliers d’exception.

1. Vous considérez-vous comme une figure de la mode féminine ?

Michelle Boor : Oui, d’une certaine façon.

Melissa Regan : Me sentir respectée par mes pairs, oui. Me considérer comme une figure de la mode Féminine pas tout à fait encore. La Mode est une manière de vivre, de penser, propre à une époque… J’espère y apporter un jour ma touche.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Michelle Boor : Un look naturel et épuré. J’adopte totalement le style d’une des Parisiennes les plus branchées : Jane Birkin. Ce mélange du bobo et du chic montre mon goût prononcé pour la mode. Ma devise : un jean moto avec l’un des plus grand classiques le « sac Birkin ».

Melissa Regan : Mon style est plutôt éclectique, je peux aussi bien porter une tenue de sport comme enfiler une robe très habillée et une paire de nos chaussures de 120 mm !

3. Racontez-nous votre parcours…

Michelle Boor : J’ai étudié à New York à la Fashion Institute of Technologie et à la Parsons School of Design avant de venir à Paris compléter ma formation chez Guy Laroche sous la direction d’Albert Elbaz. Puis, je suis retournée à New York pour assurer la direction du prêt-à-porter femme chez Theory avant de revenir dans la capitale française pour insuffler mon énergie créative à Apostrophe ou j’ai également travaillé comme consultante pour Georges Rech.

Melissa Regan : J’ai commencé par étudier l’économie et la finance à la Pacific Lutheran University puis j’ai obtenu mon MBA à l’université de Pepperdine. Mes études m’ont ensuite amenées en France en 2002 où j’ai décroché mon DESCM à l’École Supérieure de Commerce. J’ai donc tout naturellement commencé ma carrière dans la finance entre Londres et Paris. Et puis, à force de rencontres et d’envies, j’ai créé Vouelle avec mon mari Julien de Vogele. Je suis aujourd’hui en charge de la gestion des opérations et du développement de Vouelle, dont le nom gagne rapidement en prestige sur les cinq continents.

4. Comment en êtes-vous arrivée au projet « Vouelle » ?

Michelle Boor : Je suis une amie de longue date, avec Melissa Regan de Vogele. Et un jour, Melissa est venue vers moi et m’a présenté son projet. Cela correspondait tout à fait à mes attentes, à mes envies de créativité et d’engagement et c’est parti comme cela.

Melissa Regan : C’est à la veille de mon mariage et de la difficulté de trouver le parfait soulier pour l’occasion que m’est venue cette idée. Je me suis rendue compte que je ne devais pas être la seule mariée à vivre ce casse-tête. Donc, à nous trois (Michelle, Julien et moi-même) nous avons décidé d’unir nos talents pour lancer Vouelle. Et puis l’évolution de Vouelle s’est faite naturellement.

5. Quels sont les univers artistiques ou artisanaux qui vous influencent dans votre travail ?

Michelle Boor : Dans mon univers de travail, l’art, la sculpture, la photographie, les différentes époques comme les années 20 par exemple, sont mes univers qui m’influencent.

6. Quel est votre processus d’inspiration ?

Michelle Boor : Tout dépend des moments, des humeurs, des idées qui me viennent… Je commence à dessiner des croquis sans forcément avoir d’idée préconçue à la base. Puis, à partir de là, je les étudie plus précisément jusqu’à ce que je sente que mon modèle peut devenir un modèle phare de la collection.

7. Quelles sont vos matières fétiches ? Sur quels critères les sélectionnez-vous ?

Michelle Boor : Je travaille différentes matières telles que : le cuir, la dentelle, les plumes…

Pour ma sélection, c’est très simple, je fonctionne au touché des matières. Cela me permet de choisir la qualité. Puis, à partir de ce moment-là, je laisse mon imagination faire son effet.

8. Quel est le profil de votre clientèle ?

Melissa Regan : Elles sont sensibles à la qualité et au travail minutieux de l’industrie de la chaussure. De plus, ce sont des femmes éduquées, expertes, passionnées par la découverte de nouveaux horizons, notamment à travers le voyage.

9. Que représente le mariage pour vous ?

Michelle Boor : Être une princesse pour un jour !

10. La chaussure prend une place sans cesse plus importante dans le prêt à porter, qu’en pensez-vous ?

Michelle Boor : En effet, les accessoires comme les chaussures ou bien encore les sacs prennent une place importante aujourd’hui. Les femmes adoptent de plus en plus le Jean/T-shirt. Ainsi, ces accessoires sont des petites touches qui accentuent et personnalisent le style de la femme.

Melissa Regan : Force est de constater qu’une belle paire de chaussures change l’allure d’une femme. Cela change notre cambrure, notre manière de marcher, même de parler, et que cela soit en paire de ballerines ou en escarpins.

11. Quelles exigences la chaussure de luxe doit-elle respecter ?

Michelle Boor : La qualité, le style et aussi le confort !

Melissa Regan : D’être originale et de donner l’envie de les garder pendant des années comme une véritable pièce de collection.

12. Quelles valeurs Vouelle souhaite transmettre aux femmes d’aujourd’hui ?

Melissa Regan : Restez vous-même, profitez de la vie et surtout profitez des chaussures Vouelle : « sexy raffiné et edgy ».

13. Comment se passe votre collaboration en équipe (avec Melissa Regan et Julien de Vogele, les fondateurs) (Michelle Boor, directrice artistique) de Vouelle?

Michelle Boor : Nous sommes en très bonne collaboration. Ils comprennent mon style, mes envies et me soutiennent toujours dans mes nouvelles créations. Il y a un équilibre entre nous : ils gèrent le côté commercial, marketing, développement et production et j’apporte ma créativité à l’entreprise.

Melissa Regan : Il y a une certaine dynamique entre nous trois et sommes très complémentaires. Michelle nous apporte sa créativité et moi je m’occupe de la production, des ventes et de notre développement. Julien comprend la façon dont Michelle et moi travaillons et fonctionnons et je pense qu’il apporte une magnifique balance entre nous deux car il a une vision globale de la marque.

14. Quelles sont les actualités à suivre pour Vouelle…

Melissa Regan : Il y tellement de choses… !!!

- Promo du film le plus glamour de cet été : l’Arnacoeur.

- Lancement du site e-commerce où l’on propose la collection : mariage et prêt-à-porter.

- Lancement de nouveaux produits tels que des écharpes en soie avec un imprimé des croquis de la collection.

- Développement de notre marque dans d’autres pays

- Participation au Festival de Cannes

Ce sont justes quelques actualités du moment, les plus importantes restent à venir… comme l’ouverture de notre première boutique à Paris !

Pour en savoir plus sur Vouelle :

http://www.vouelle.com/

Dans la peau de Jean-Claude Dreyfus

by Alix de Boisset on avril 22nd, 2010 Commentaires fermés

@ Dominique Desrue

Jean-Claude Dreyfus ne cesse de nous étonner. Après une enfance bohême, il débute comme prestigitateur puis joue les travestis dans les cabarets parisiens. Au théâtre comme au cinéma, Jean-Claude Dreyfus possède à son actif une longue liste de rôles aussi différents que surprenants, allant de la comédie au drame. Il travaille sur les planches notamment avec des metteurs en scène comme Claude Régy, Jérome Savary, Jacques Lassalle, Anne Delbée, Benno Besson et Tania Balachova. Au cinéma, on le voit dans une multitude de rôles, notamment chez Michel Audiard, Yves Boisset, Werner Herzog, Patrice Leconte, Eric Rohmer, Jean-Jacques Annaud, Claude Pinoteau, Jean-Pierre Mocky, Bertrand Blier, Claude Lelouch, Bernard Rapp, Alain Corneau (…). Rendu populaire sur le petit écran avec la publicité « Monsieur Marie » pendant seize ans, c’est surtout son rôle de boucher dans « Delicatessen » réalisé par Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro, qui lui vaut l’engouement du public. Coïncidence amusante : passionné par tout ce qui a trait au cochon, Jean-Claude Dreyfus possède une collection de 5000 pièces ! Sa collaboration avec Jean-Pierre Jeunet lui vaudra des rôles sur mesure comme dans « La cité des enfants perdus » ou encore « Un long dimanche de fiançailles ». En 2009, Jean-Claude Dreyfus revient à ses premières amours en endossant le rôle d’un travesti dans la pièce d’Emmanuel Darley « Le Mardi à Monoprix » pour lequel il a été nominé aux Molières 2010. Rencontre avec un homme aux visages multiples, au regard gourmand et à l’humour aiguisé.

1. Vous considérez-vous comme une figure du spectacle ?

Jean-Claude Dreyfus : Je commence à faire figure dans le spectacle, au cinéma, au théâtre. Une figure que les gens connaissent et dont ils commencent même depuis quelques années à connaître le nom. Depuis que ma publicité est arrêtée, c’est à dire il y a 10 ans, j’ai de moins en moins de gens qui m’assimilent à « Monsieur Marie ». C’est plus agréable d’être appelé dans la rue par son nom que par celui de « Marie » ! Mais par rapport à une figure, je suis devenu extrêmement populaire avec « Delicatessen ». Je peux désormais entraîner les gens qui connaissaient la publicité et le cinéma au théâtre. Je suis incontournablement une figure existante de ce métier. C’est mieux comme ça d’ailleurs, je ne le serais pas ce serait très difficile à vivre : on est contents que les gens nous aiment, nous courent après. J’ai fait une lecture l’autre jour d’un texte de Zola sur les inondations, à la Mairie du 17ème en lien avec une exposition sur les inondations de 1910 à Paris. La lecture s’intitulait « Dreyfus défend Zola », une nouvelle sur les inondations, belle et émouvante. La salle était lors des trois représentations !

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Jean-Claude Dreyfus : Le dilettantisme est mon truc. C’est ce que j’aime bien raconter, c’est pas tout à fait vrai mais en même temps j’aime bien la diversité et donner l’illusion que tout est facile et léger. J’aime donner l’impression que je ne travaille pas alors même que ça me demande beaucoup d’investissement. Concernant mon style physique, je suis entre le dandy clochard et le style extravagant extrême, ce qui était le cas dans ma jeunesse. J’en faisais des vertes et des pas mûres. Mes cheveux tombaient jusqu’aux fesses. Je les peignais à la gouache. Jeune, j’étais une espèce de sauterelle, charpenté, musclé mais élancé et mince. Aujourd’hui, je ne peux plus mettre des chaussures à talons de 12 centimètres, à cause de mon poids. Je suis souvent assez looké mais pas trop : l’ordinaire, le banal, sont à l’opposé de mon style. Cela dit, l’extravagance s’est un peu déplacée vers le confort avec le temps et l’âge ! (rires).

@ Stara

3. Racontez-nous votre parcours…

Jean-Claude Dreyfus : Quand j’étais enfant, j’étais malade entre 7 et 10 ans (début de tuberculose) donc j’étais dans un préventorium : c’est la première fois que j’ai fait du théâtre. On jouait des farces genre « La farce de Maître Pathelin ». Comme il n’y avait pas beaucoup de filles, je jouais le rôle d’une petite meunière, un voile aux poumons et un voile sur la tête. Puis, je suis parti de chez mes parents vers l’âge de 16 ans et j’ai commencé avec mon père qui avait une revue « Art et Sana », revue médicale qui organisait des spectacles et des expositions. Avec lui, j’ai commencé comme prestigitateur, illusionniste, j’ai fait des cabarets à Paris et des spectacles dans tous les sanas de France, j’ai tourné dans des maisons pour personnes âgées et des prisons. J’ai fait des numéros pendant une dizaine d’années, et je me suis aperçu que je n’étais pas très doué (rires). Ce qui me passionnait en fait dans la prestigitation c’était de voir les autres. Je me suis lassé car je voulais surtout faire du théâtre et je ne savais pas trop comment m’y prendre. Alors, j’ai fait partie d’une petite compagnie qui s’appelait « Les classiques de france » qui allait jouer dans les villages du sud, on montait des pièces de Molière mais ça ne suffisait pas. Puis un jour, je suis allé voir « La Grande Eugène » à Paris, spectacle de travestis de haute qualité et ce fut la révélation, je voulais absolument travailler avec eux. La dame du vestiaire m’a dit « venez nous voir » : c’était la femme du producteur. Je « y suis allé et ils m’ont engagé avec Jérôme Nicolin lequel nous a quitté il y a an. On a partagé ensemble le spectacle pendant 8 ans. Tous les gens de « La Grande Eugène » ont tous malheureusement disparu aujourd’hui. Il n’y a que moi qui reste. Il y a eu un immense succès, on était très prétentieux limite odieux on ne parlait à personne ! « La grande Eugène » s’est terminé pendant un an et demi en Italie : Jérôme et moi, on a décidé d’arrêter, on voulait faire autre chose.

Avec Geneviève Page

Je suis rentré au Théâtre de la Ville invité par Geneviève Page dans « L’Echange » de Claudel pour jouer Thomas Pollock Nageoire. Quand ils sont venus me voir j’avais les cheveux longs dans le dos et étais bronzé : j’ai dû me couper les cheveux et comme je faisais encore trop jeune, je me suis carrément rasé la tête. C’était baroque mais bien, on a joué pendant 2 ans et les choses se sont enchainées. Le cinéma a commencé à venir un petit peu. J’ai beaucoup tourné de films, des longs, des courts … Puis la publicité est arrivée et m’a rendu vraiment populaire puis « Delicatessen » qui s’est greffé et puis encore des films dont le film d’Eric Rohmer « L’Anglaise et le Duc ». On a énormément parlé des peintures en incruste à l’extérieur mais tous les intérieurs étaient peints en trompe l’oeil. Toutes les particules m’ont couru après pour me remercier d’avoir sauvé leur duc car avant, le Duc d’Orléans souffrait d’une réputation sulfureuse !

4. Quel souvenir gardez-vous de votre collaboration avec Miche Audiard « Comment réussir quand on est con et pleurnichard » en 1973 ?

Jean-Claude Dreyfus : C’est un des premiers films où j’ai tourné : un super joli film avec une grande distribution. Je sortais de « La Grande Eugene » et j’y jouais le rôle d’un travesti qui lit Baudelaire et qui entretient une petite relation avec Jane Birkin. Jean-Pierre Marielle prend ensuite mes vêtements et m’imite. Ce fut quelques scenettes. Il y avait tout le monde de cette époque-là : Jean Carmet, Jean Rochefort, Jean-Pierre Marielle, Jane Birkin, Stéphane Audran… C’était bien j’arrivais dans un film où il y avait tout le monde ! Je n’existais pas même si ces gens me connaissaient car ils étaient venus me voir à « La grande Eugène ».

Delicatessen

5. Votre travail avec Jean-Pierre Jeunet a-t-il marqué un tournant dans votre carrière ?

Jean-Claude Dreyfus : Oui, d’abord c’était un magnifique film « Delicatessen », ça me paraissait évident qu’il y aurait du succès : il y avait une telle folie, une telle démesure au sein de ce tournage ! Ils n’ont pas privilégié les journalistes dans la présentation du film mais ils ont fait en sorte de mélanger public et médias. L’engouement du public a pris tout de suite : je représentais autre chose pour ceux qui n’allaient pas au théâtre, qu’un phénomène de publicité. Ensuite, il y a eu « La cité des enfants perdus » : un beau film très mal reçu à Cannes et qui n’a pas été apprécié par Jeanne Moreau qui disait qu’elle n’y comprennait rien. On ne peut pas tuer un film qui a coûté aussi cher en une soirée, il a été sorti de l’affiche d’office.

Un long dimanche de fiançailles

6. Les films « Delicatessen », « Un long dimanche de fiançailles », « La Cité des enfants perdus »… vous présentent toujours à travers des personnages étranges, étonnants, inquiétants… Vous aimez jouer sur cette ambiguïté ?

Jean-Claude Dreyfus : Pas toujours : regardez dans « L’anglaise et le duc », je ne joue pas le rôle d’un monstre ! Je ne me rends pas bien compte… Oui, dans « Delicatessen », même le personnage qui est un indécrottable imbécile, j’ai réussi à le rendre sympathique : c’est simplement que je crois profondément, que même chez un serial killer, voleur, gangster il peut y avoir un bon fond, c’est plus interessant de jouer ça que quelqu’un qui est dans le bonheur et la béatitude totale. Je joue le rôle d’un con mais il y a des moments où il est presque émouvant de bêtises. Des grosses bêtes un peu terribles, monstrueuses peuvent être des bébés, avec des bons fonds mais socialement foutus. Dans « Un long dimanche de fiançailles », je jouais le Capitaine qui a un rôle charnière et le con que je joue, laisse tomber le papier qui gracie ceux qui sont condamnés. Quand Jean-Pierre Jeunet m’a proposé de jouer dans ce film, je voulais interpréter un autre rôle, on n’était pas d’accord et finalement j’ai baissé les bras et je suis très heureux après coup d’avoir fait ce personnage : il avait raison, il n’y avait que moi qui pouvait jouer ce personnage en donnant du mystère et de l’ambiguïté. On ne sait pas si c’est un vrai lâche qui sciemment ruine ces personnes ou si c’est un je-m’en-foutiste qui se vautre dans la jouissance. J’en ai tiré un maximum avec autre chose.

Dreyfus en Duc d'Orléans

7. Qu’avez-vous retenu de votre interprétation du Duc d’Orléans dans « L’Anglaise et le Duc » de Rohmer ?

Jean-Claude Dreyfus : Le but de Rohmer était de raconter la Révolution sous un autre angle, dans les yeux d’une aristocrate britannique qui avait raconté tout ça dans son journal. J’étais toujours touché des rôles qui sont pas spécialement pour moi. C’est d’abord pour des raisons physiques qu’Eric Rohmer est venu me chercher. Oui, j’ai le nez bourbon parce qu’on veut bien me le donner bourbon : j’ai un gros nez quoi ! Rohmer était exceptionnel je l’avais rencontré auparavant à une soirée chez son chef opérateur, et il avait bcp de mémoire et s’est souvenu de cette rencontre éphémère. La jeune femme qui joue l’anglaise, il l’a bien choisi . Quant à Nanon, la suivante de Grace Elliott, c’est une comédienne qui était initialement maquilleuse au cinéma. Elle a écrit à plusieurs réalisateurs dont Rohmer et c’est sur cette lettre qu’il l’a sélectionnée sans la connaitre ! Rohmer s’est fait un peu tapé sur les doigts car il ne met pas en valeur les grands révolutionnaires, on l’a traité de royaliste, d’extrémiste. Ce film a eu beaucoup de succès : 900 000 entrées. Gaumont a arrêté le film alors même qu’il y avait la queue devant les cinémas. On ne pensait pas que ce film pourrait être aussi commercial. Mais on l’a enlevé de l’affiche en plein succès.

@ Yann Arthus Bertrand

8. On vous dit passionné par les cochons, pourquoi ?

Jean-Claude Dreyfus : Au démarrage, cette réputation est due à mon caractère de cochon. Je me suis policé avec le temps (rires), j’étais pas toujours aimable. Les gens ont su après « Delicatessen » que je collectionnais les cochons alors que ça faisait déjà 15 ans. Quand Jean-Pierre Jeunet et Eric Caro sont arrivés chez moi avec un petit cochon en guise de cadeau, ils se sont retournés et en ont découvert 300 derrière ! En fait, j’ai une énorme collection de plus de 5000 pièces exposés de part et d’autre notamment dernièrement à Arzac au musée du jambon de Bayonne. J’ai de tout, j’ai même la peinture du « Père Noël est une ordure », une horreur mais c’est moi qui en ai hérité à une vente aux enchères au profit du sida. Je l’ai eu pour cher : une grosse merde mais culte ! Cet animal est lucide, drôle, sensuel, amitieux, convivial. J’en ai pas chez moi, je n’ai pas le temps, c’est comme un chien dont il faut s’en occuper ! Pierre Desproges, Gabrielle Lazure, Pierre Doris collectionnaient aussi les cochons.

Deux frères

9. Vous arrive-t-il de regarder vos films ?

Jean-Claude Dreyfus : Oui, j’ai regardé l’autre jour « L’anglaise et le duc » car il y avait un hommage à Rohmer. Je vois ça comme si c’était quelqu’un d’autre, même si je me trouve moche je me dis « il est moche l’acteur ». J’aime bien regarder une fois que le film est fait car ce n’est plus moi. En revanche, je n’aime pas voir les rushs, je fais confiance au réalisateur.

10. Quels sont les univers littéraires, artistiques, les courants, les comédiens qui vous influencent dans votre travail ?

Jean-Claude Dreyfus : Oui on est toujours influencé par pas plein de choses ! Je ne suis pas très courant, j’aime pas suivre un mouvement. Mais j’aime beaucoup des gens comme Jean Carmet ou Michel Serrault mais ce ne sont pas des modèles pour autant. Serrault a commencé par le cabaret, le théâtre puis le cinéma, c’est un parcours qui est le mien aussi. J’ai tourné deux films de Jean-Pierre Mocky avec lui « Bonsoir » et » le bénévole », un des derniers films qu’il a fait. Je ne suis pas très courant, tendance, mais plutôt contre-courant ! Ce n’est pas à nous de suivre les courants. J’aime beaucoup la mode mais je ne suis pas victime de ça. J’ai souvent eu des couturiers qui m’ont fait des vêtements. C’est par exemple le cas pour la cérémonie des Molières 2010 où je suis nominé pour « Mardi à Monoprix » ainsi que l’auteur Emmanuel Darley. On reprend d’ailleurs la pièce à partir de mi-septembre à théâtre ouvert.

11. Vous avez mis en scène des spectacles de Poésie au Théâtre Molière, vous y êtes sensible ?

Jean-Claude Dreyfus : J’ai fait un spectacle de Cocteau et un autre aussi autour de Jehan-Rictus. J’aime bien la poésie à ma façon, j’aime pas écouter de la poésie avec des gens qui la lisent avec la tête sur le coté. J’aime la poésie vivante. La poésie ne se joue pas mais n’endort pas non plus : la poésie est faite pour être vécue.

12. Etes-vous un grand voyageur ?

Jean-Claude Dreyfus : Je ne voyage que pour le travail. Souvent quand il y a des courts métrages, en échange, je veux bien un cadeau (par exemple, pour le court métrage de Roman Polanski pour les 60 ans du Festival de Cannes, on nous a offert à chacun une bonne caisse de vin). Une productrice m’avait offert un coffret quelques jours dans un Relais Château en Normandie, ça m’embêtait : si je veux y aller, j’y vais. Je lui ai donc proposé de m’offrir autre chose, une loge transportable. Car souvent les loges sont mal éclairées et je suis obligé de demander aux techniciens de mettre des projecteurs.

13. Que pensez-vous du trac ?

Jean-Claude Dreyfus : Le trac c’est un mystère, ça ne se guérit pas. Le trac vient de la peur d’aller sur scène et de la crainte des trous de mémoire. Quand je dois reprendre une pièce, j’ai une oreillette en guise de souffleur au cas où. Moins je pense, mieux je me porte. J’ai plein d’histoires rigolotes avec ça ! Par exemple dans « le malade imaginaire », je n’avais pas joué depuis 6-7 mois, j’ai donc porté une oreillette : le premier jour tout va bien, le deuxième jour l’assistante me raconte des trucs trashs à l’oreille, les gens croyaient que j’avais du talent car je n’arrêtais pas de rire ! Une autre fois, au spectacle autour de Cocteau à la maison de la poésie, il y avait beaucoup de texte, j’avais besoin de m’y remettre car il y avait eu une coupure à cause du film de Rohmer. Une assistante devait s’occuper de l’oreillette : le premier soir elle avait tellement le trac qu’elle n’avait rien compris, elle m’a dit tout le texte, c’était une horreur, le spectacle qui devait durer une heure dix, n’a duré que trois quarts d’heure. L’oreillette ça sert dans les cas extrêmes.

14. Si c’était à refaire…

Jean-Claude Dreyfus : En tant que comédien, je peux faire tous les métiers : banquier, boucher, agriculteur… je peux tout faire ! Il y aucun des métiers de tout ça que je voudrais faire vraiment de toute ma vie.

Le Mardi a Monoprix

15. Théâtre ou cinéma ?

Jean-Claude Dreyfus : C’est comme demander si je préfère mon père ou ma mère ! Quand je suis au théâtre, je veux faire du cinéma et quand je suis au cinéma je veux faire du théâtre. Mais au cinéma, c’est important d’avoir de beaux rôles.

16. Avez-vous des conseils à donner à de futurs comédiens ?

Jean-Claude Dreyfus : Bougez-vous, faites vos spectacles, montrez-vous, il y a pas de conseil si ce n’est : allez-y ! On est tous élus à quelque chose de différent, après il faut faire son métier. Il y a des tas de comédiens qu’on ne connait pas et qui font bien leur métier. On ne fait pas ça pour être connu mais pour être reconnu.

17. Le mot « solitude » est fréquent chez les artistes…

Jean-Claude Dreyfus : Oui, la solitude est essentielle ! C’est pour ça que les aventures amoureuses sont parfois douloureuses car pour un rôle on un vrai besoin de solitude. Avant d’apprendre avec un répétiteur, j’ai besoin d’être seul, de rêver dessus, de travailler dessus. Et même quand on fait une pièce avec du monde, on répète avec eux mais on travaille tout seul d’abord. J’aime être seul de temps en temps car je ne suis pas assez seul.

18. Votre péché mignon…

Jean-Claude Dreyfus : Moi même je suis un péché mignon ! Mis à part les cochons, j’en ai plein. Ce sont des péchés avec un « s », mignon avec « s », c’est tout. Je craque toujours quand je peux pour les chaises, les lampes, les miroirs : il ne faut pas m’emmener aux puces ! J’aime les choses baroques, je suis plutôt entre les années 30 et 80. J’apprécie aussi les meubles du 18ème mais je suis plus moderne, industriel même. J’adore les terrasses, regarder passer les gens devant, en haut, derrière, les mains, les yeux, les pieds, tout ! Je préfère regarder les gens plutôt que d’avoir un coach qui va me gâcher la vie, me dire ce qu’il faut faire.

Pour en savoir plus sur Jean-Claude Dreyfus :

http://www.jeanclaudedreyfus.net/

Le phénomène Marc Levy

by Alix de Boisset on avril 12th, 2010 Commentaires fermés

Marc Levy est actuellement l’auteur français le plus plébiscité dans le monde : ses romans populaires ne quittent pas le classement des meilleures ventes depuis le début des années 2000. Né dans les Hauts de Seine, Marc Levy quitte la France pour les Etats Unis à 23 ans et fonde une société spécialisée dans l’image de synthèse. Il reste aux Etats Unis pendant sept ans et revient à Paris pour créer un cabinet d’architecture. Aimant raconter des histoires et doué d’une grande imagination, c’est en tant qu’amateur qu’il se met à l’écriture. Sa sœur le persuade d’envoyer son manuscrit à plusieurs éditeurs et ce sont les éditions Robert Laffont qui le contacteront. Son premier roman « Et si c’était vrai… » est alors adapté au cinéma par Steven Spielberg (Dreamworks 2005). Il se consacre depuis à l’écriture et emmène le lecteur dans un univers personnel où tout est possible : aujourd’hui, les ventes de ses dix livres, toutes éditions et langues confondues, ont dépassé les 20 millions d’exemplaires.

1. Vous considérez-vous comme une figure Littéraire ?

Marc Levy : Je ne sais pas ce que vous entendez par « figure littéraire », ce que je peux vous dire c’est que je m’interdirai toujours de me regarder écrire, je préfère regarder ce que j’écris.

2. Comment définiriez-vous votre style ?

Marc Levy : Libre ! Pour les deux… En tant qu’écrivain, ce qui compte pour moi est d’inventer, de me renouveler chaque fois, de m’amuser, de prendre un risque, tout comme un artisan qui travaille avec une matière vivante.

3. Racontez-nous votre parcours…

Marc Levy : Je vais vous épargner ça ! Je n’aime pas beaucoup parler de moi, bon, si vous y tenez vraiment… Après m’être engagé pendant six ans à la Croix Rouge Française et étudié la gestion et l’informatique à l’Université Paris Dauphine, j’ai crée en 1983 une société spécialisée dans les images de synthèses en France et aux États-Unis. Mais j’ai tout quitté en 1989 pour repartir à zéro en fondant à Paris avec deux amis une société de travaux de finitions. Un jour, j’ai voulu écrire une histoire à l’homme que deviendra mon fils. Encouragé par ma soeur scénariste, j’envoie ce manuscrit aux Editions Robert Laffont qui acceptent aussitôt de publier « Et si c’était vrai ». Peu avant la sortie du roman, Steven Spielberg en acquiert les droits d’adaptation cinématographique. C’est après la publication de « Et si c’était vrai ? » que j’ai décidé de me consacrer exclusivement à l’écriture. S’ensuivent « Où es-tu ? », « Sept jours pour une éternité », « La prochaine fois », « Vous revoir », la suite de « Et si c’était vrai », « Mes amis, mes amours »(adapté au cinéma), « Les Enfants de la liberté » et « Toutes ces choses qu’on ne s’est pas dites », « le premier jour » et « La première nuit » la suite du précédent. En plus de ces romans, j’ai écrit quelques nouvelles et réalisé un court métrage pour Amnesty International ainsi que quelques chansons pour différents artistes dont Johnny Hallyday.

4. Vous avez travaillé longtemps pour la Croix Rouge et vous participez à des opérations humanitaires…

Marc Levy : J’ai passé six années à la Croix Rouge et je ne pourrai jamais rendre à la Croix Rouge tout ce qu’elle m’a donné. J’entends ceux qui disent que le monde d’aujourd’hui est individualiste, certes, ce n’est pas la société qui fait un pas vers vous, mais cela n’interdit en rien de faire soi-même un pas vers les autres. En entrant à la Croix Rouge Française à dix-huit ans, je me suis aussitôt vu offert une place dans la société. Alors, aujourd’hui, soutenir certaines associations, c’est aussi ma façon de participer un peu à la société dans laquelle je vis. Cela dit, je rêve aussi de retourner vraiment sur le terrain. Je soutiens Action contre la faim, parce que des millions d’enfants meurent chaque année par manque d’eau potable et d’alimentation suffisante et que nous pouvons faire quelque chose. ACF a sauvé deux millions d’enfants l’an dernier, vous vous rendez compte ! J’apporte aussi mon soutien à Action Innocence, une association qui œuvre à la protection des enfants sur Internet. Egalement à l’association IDEE, qui s’occupe des enfants atteint d’Epilepsie. Je soutiens chaque fois que je le peux les actions d’Amnesty, de l’institut Pasteur, et depuis peu SOS Villages d’enfants, une association formidable qui permet aux frères et sœurs sans parent de ne pas être séparés. SOS villages d’enfants, crée des villages d’accueils en France et dans le monde pour donner une vie normale à des orphelins ou enfants séparés de leurs parents.

5. Comment en êtes-vous venu à écrire votre premier roman : « Et si c’était vrai ? »

Marc Levy : Mon passage à l’écriture est un peu particulier et la chance y est pour beaucoup. Quand j’ai commencé à écrire ce qui deviendrait « Et si c’était vrai », je n’avais pas l’intention d’en faire un roman, et je pensais encore moins qu’il serait publié. J’avais écrit cette histoire pour mon fils, ou plutôt pour l’homme qu’il deviendrait un jour. Mon idée était de lui remettre le manuscrit quand il aurait l’âge que j’avais en l’écrivant. A travers ce roman, je voulais lui dire d’aller au bout de ses rêves de ne laisser personne l’en déposséder. Poussé par ma soeur scénariste, j’ai envoyé le manuscrit aux Editions Robert Laffont, qui m’ont répondu, huit jours après, vouloir publier le livre. Quelques semaines plus tard, Steven Spielberg me téléphonait pour m’annoncer qu’il voulait adapter mon histoire au cinéma. J’ai alors démissionné du cabinet d’architecture que je dirigeais pour écrire un second roman et me consacrer à l’écriture. Il fallait que je sois cohérent avec moi-même. Arrivait dans ma vie un rêve que je n’aurais jamais osé réaliser, mais, si je n’avais pas été au bout de ce rêve, tout ce que je voulais dire à mon fils dans mon premier roman n’aurait alors été qu’un mensonge.

6. L’adaptation à l’écran par Steven Spielberg vous a -t-elle satisfaite ?

Marc Levy : Le livre est trop long pour être adapté dans sa totalité. Il fallait choisir entre la ligne « comédie » ou la ligne « dramatique » puisque le roman contient presque deux histoires en une. Les producteurs américains ont choisi le côté comédie du roman, c’est un choix respectable. Personnellement, j’ai passé un agréable moment en le voyant, sauf la fin que je trouve trop. happy end. Même si les personnalités d’Arthur et Lauren diffèrent dans le film de ce qu’elles sont dans le roman, même si les prénoms des personnages ont été changés, Mark Ruffalo et Reese Whitherspoon, ont recréé la complicité entre Arthur et Lauren. Bien sur, on ne retrouve pas les chapitres du livre, mais l’idée et le sentiment du roman sont présents. J’ai eu l’occasion de voir plusieurs fois le film et à chaque projection je découvre des liens entre les deux, comment le roman a pu inspirer tel ou tel passage du film. Très sincèrement, on ressort de la salle heureux et je ne crois pas que le film efface la mémoire du livre. Je sais que certains lecteurs n’ont pas du tout aimé le film, trouvant que le roman avait été trahi, je voudrais leur dire ceci : le jour où les éditions Laffont m’ont appelé pour me dire qu’ils voulaient publier mon roman, je me suis pincé ; le jour où Spielberg m’a contacté pour me dire qu’il voulait en faire un film, je me suis pincé encore plus fort, alors si l’on m’avait dit un jour que des lecteurs préféreraient mon roman à un film de la Dreamworks… Je n’y aurais jamais cru, alors merci infiniment.

7. Décrivez-nous une journée type pour vous…

Marc Levy : Rien de bien particulier qui mérite d’être raconté. Je travaille beaucoup, j’écris la nuit, parfois toute la nuit. Je dors peu, mais je dors vite… Les journées les plus trépidantes se déroulent lors de mes séjours à l’étranger, rencontrer les lecteurs en France, au Vietnam, en Corée, en Russie, en Allemagne, en Italie, en Espagne etc… Autant d’expériences à chaque fois fabuleuses pour moi.

9. Que ressentez-vous avant la parution d’un roman ?

Marc Levy : Un trac fou, Une boule au ventre…

10. En quelques mots, de quoi parle « Les enfants de la Liberté » ainsi que le roman en deux tomes « Le premier jour » et « La première nuit » ?

Marc Levy : « Les enfants de la liberté » raconte l’histoire vraie d’une vingtaine d’adolescents en France pendant la seconde guerre mondiale. Tous étaient dans la résistance, dans la 35ème brigade Marcel Langer. Ce adolescents venaient de tous les coins de l’Europe, ils étaient Roumains, espagnols, Italiens, et beaucoup sont morts en criant vive la France avec un accent étranger. Quant à mes deux derniers romans, lesquels sont une histoire en deux tomes, il s’agit d’un roman d’aventure, la rencontre d’une archéologue et d’un astrophysicien. C’est un thriller, et une histoire d’amour sur fond d’étoiles…

11. Vous en êtes à votre 10ème roman : sentez-vous une évolution voire une maturité dans votre écriture, votre style ?

Marc Levy : Disons que je l’espère, c’est le moteur du travail artisanal, l’envie de progresser, de prendre conscience des imperfections passées, de travailler à ne pas les reproduire tout en ayant conscience que d’autre seront commises. J’aime travailler, me remettre sans cesse en cause.

12. Quel effet cela fait d’être l’auteur français le plus lu dans le monde ?

Marc Levy : Plaisir, très plaisir.

13. Comment expliquez-vous votre succès ?

Marc Levy : Je ne l’explique surtout pas. Je sais que la chance y est pour beaucoup et je travaille beaucoup pour la mériter.

14. Quels sont les univers littéraire ou artistiques qui influencent votre travail ?

Marc Levy : La littérature anglo-saxonne.

15. Hormis l’écriture, à quelles passions vous adonnez-vous ?

Marc Levy : La musique, la cuisine et l’aviation et je n’ai jamais trouvé le rapport entre ces trois passions !

16. Quels livres lisez-vous en ce moment ?

Marc Levy : En ce moment j’écris alors hélas, je ne lis pas.

17. Quelles missions donnez-vous à l’écriture ?

Marc levy : Créer une émotion, entrainer le lecteur dans une histoire, partager un sentiment.

18. Quels sont vos projets pour 2010 ?

Marc Levy : Un prochain roman avant l’été, beaucoup de voyages à l’étranger, et quelques jours de vacances, je n’en ai pas pris depuis si longtemps….

Pour en savoir plus sur Marc Levy :

http://www.marclevy.info/

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